El infierno (2010)

Tras veinte años al otro lado de la frontera, Benjamín García regresa a México para descubrir que la violencia domina su pueblo natal.

Benjamín es un personaje del cual no sabemos realmente qué le pasó al otro lado de la frontera, sólo sabemos que no llamó ni escribió una sola vez a su familia, quizás estuvo en la cárcel, y que fue finalmente deportado. Sin ilusiones y con los sueños rotos Benito sólo desea reencontrarse con su madre y su hermano menor. Pero al llegar descubre que tras 20 años las cosas están mucho peor. Nada más emprender su viaje de regreso dentro de México, Benjamín es asaltado en el autobús que lo lleva a su pueblo. Acto seguido es registrado en un control militar y los militares se quedan con el dinero oculto en los calzoncillos que los asaltadores no habían descubierto. Así es la realidad que nos presenta esta película. Un infierno de violencia y corrupción.

El descubrimiento del asesinato de su hermano y la existencia de un sobrino harán que Benito decida cuidar de lo que queda de su familia. Benjamín decide evitar a toda costa que su sobrino siga los pasos de su progenitor,  aunque él mismo debe seguirlos para evitarlo. Paradojas del destino. Sus intenciones son buenas pero como bien dice: en México no se hace lo que uno quiere sino lo que puede. La única manera de sobrevivir parece ser entrando en el peligroso negocio del narcotráfico. No hay otra salida. Incluso su mejor amigo de la juventud es ahora un peligroso narco, el Cochiloco, un personaje digno del mejor cine de gangsters.

Benny tiene en común bastantes puntos de partida con el Michael Corleone de El Padrino, ambos prefieren mantenerse al margen y no entrar en negocios turbios. Pero finalmente, se verán obligados a ello para defender a su familia. Benny deberá pagar una cuantiosa fianza a su sobrino, probablemente todo sea una artimaña para forzarle a entrar al servicio del patrón. Benny cometerá actos horribles y empezará a disfrutar de esa vida de lujos y chantajes.
También tiene puntos en común con el Travis de Taxi driver, sobre todo al final del film. Travis y Benny asisten a un acto público con intenciones similares, no puedo contar más. El onírico final deja a las claras la intención del film, tanto el poder político, como el militar como el religioso están bajo el dominio de los narcos. Quizás la última parte del film sea una ensoñación o un final alternativo, pero el mensaje queda claro y de ahí que se incluyera en el metraje final.

Luis Estrada dirigió (no sin problemas) esta recomendable película en 2010. Tomando como ejemplo el buen cine sobre la mafia de maestros como Copola o Scorsese, Estrada elaboró una interesante trama que adapta las constantes de este género a la realidad del México actual. El tratamiento del personaje principal y los secundarios es digno del mejor Scorsese y opino que su film no desmerece demasiado de los clásicos del género perpetrados por sus vecinos gringos del norte. Ocurre que el ser humano es igual en todas partes y en todas las épocas: egoísta, violento y fácilmente sobornable, .

 Obviamente el film no gustó a las autoridades gubernamentales, ni a la iglesia, ni a los narcos, hubo presiones y amenazas para que se retirara de las salas de proyección. Aún así, fue todo un éxito en México, siendo el film más visto en el año 2010, el año del bicentenario de la independencia de México.

 No se pierdan esta película, amigos, fiel reflejo de lo peor del alma humana. Una película que los gobernates no quieren que veas. No te la pierdas. [ LEER ARTICULO COMPLETO ]

Antiviral

 No debe haber sido fácil la infancia de Brandon Cronenberg, hijo del director David Cronenberg (Crash). Supongo que en los cuentos para irse a dormir de papá Cronenberg Caperucita se transformaba en una silla con dientes que acababa devorando al lobo tras agredir sexualmente a la abuelita. Sea como fuere, el hijo de David Cronenberg debuta en la dirección con esta historia que rezuma ADN Cronenberg por los cuatro costados.

Como a su padre, a Brandon parecen gustarle las turbias historias de ciencia ficción que ponen de relieve los problemas de la sociedad actual. No le falta talento visual a Brandon ni ganas de impactar al espectador, pero esta historia no va más allá del cine que su padre hacía hace 30 años. Puede que Brandon no haya sabido encontrar aún su camino o puede que la influencia de su padre sea excesiva en sus gustos estéticos y temáticos. El chico tiene talento y tiene cosas que contar pero a su film le falta vida.

Antiviral es un film con un punto de partida muy atractivo pero que no ha sido desarrollado de forma eficiente. Antiviral presenta un mundo (quizás no muy lejano) en el que las celebridades son el verdadero opio del pueblo. Se ha levantado un culto enorme sobre la juventud y la belleza. Las estrellas mediáticas son imitadas y admiradas de forma compulsiva por miles de personas. La sociedad que nos presenta el film ha llegado a un grado extremo de culto a la belleza. Tanto que existen empresas farmacéuticas que se dedican a comerciar con virus que han infectado el cuerpo de las celebridades. Un mundo realmente enfermo.
Nuestro protagonista se dedica a comerciar con estos virus, vendiendo e inoculando a sus clientes los virus que ellos elijan con el único fin de sentirse más cercanos a sus ídolos. Las enfermedades se convierten en preciados bienes de consumo. Una premisa muy del Cronenberg de primeros de los 80. Constantemente obsesionado con su temperatura corporal, nuestro protagonista está secretamente obsesionado a su vez con una de estas celebridades. Tanto que no podrá evitar inocularse a sí mismo un virus de su objeto de deseo.

Lamentablemente, toda esta  interesante premisa se viene abajo cuando el ritmo del film es demasiado lento (lentísimo). Al film le cuesta mucho arrancar y cuando lo hace no consigue empatizar nunca con el espectador. Brandon Cronenberg ha tenido una muy buena idea pero su film es tan aséptico y falto de vida como un tubo de ensayo vacío. La estupenda fotografía, en la que predomina siempre un frío color blanco, contribuye a crear ese esterilizado ambiente falto de emociones. Tampoco las gélidas interpretaciones de Caleb Landry (este chico tiene realmente pinta de enfermo) y la guapa Sarah Gadon contribuyen a que el espectador se sienta mejor.

 Brandon mezcla lo fantástico con la critica social (snobismo, consumismo, medicación descontrolada, etc) lo que le emparenta con el cine de su padre y está cercano a perturbarnos de la misma manera que lo hizo su progenitor en su día. Lamentablemente, le ha faltado sentido del ritmo para hacer de esta historia un film apasionante. La historia no acaba de enganchar al espectador y las constantes idas y venidas del protagonista tampoco nos interesan demasiado. Yo me aburrí a pesar de que el film iba soltando ideas interesantes e innegables muestras de talento. Sin ir más lejos, el bizarro final me pareció fascinante.

Sólo recomendable para los muy amantes de las pesadillas de la familia Cronenberg. [ LEER ARTICULO COMPLETO ]

¿Programando la nación?

Interesante documental sobre la publicidad subliminal. ¿Qué hay de cierto en los mensajes ocultos en los discos de The Beatles o Led Zeppelin? ¿Y en las películas de Disney? ¿Es habitual el uso de imágenes subliminales en el cine para impresionar o aterrorizar al espectador? Una vez más, parece que Hitchcock se adelantó a su tiempo.

 Sinceramente, opino que cada uno oye o ve siempre aquello que desea oír o ver.  Pero más allá de experimentos más o menos discutibles parece probado que sí se puede inducir a las masas a aumentar su consumo de unos determinados productos simplemente a base de una publicidad que haga creer al espectador/consumidor que será más feliz consumiendo un determinado producto. Un bombardeo constante desde edades muy tempranas puede ser muy peligroso.[ LEER ARTICULO COMPLETO ]

Iron man 3

 Pues nada, esta franquicia sobre Iron man se cierra de la misma manera que se inició, sin ninguna pretensión excepto hacer pasar un buen rato. Los fans de la saga no saldrán decepcionados y los que no disfrutaron las dos primeras entregas tampoco lo harán con la tercera.

 Iron man 3 es más de lo mismo, es cierto que se centra más en el personaje de Tony Stark y sus problemas personales pero sigue siendo cine palomitero apto para todos los públicos. Iron man 3 es puro espectáculo hueco lleno de efectos especiales y vertiginosas escenas de acción, alguna realmente espectacular. Lo que salva a estas películas es la interpretación de Robert Downey Jr., así de claro. Estas películas interpretadas por  Nicholas Cage o Keanu Reeves serían insoportables. Las tablas y la sorna de Downey son un valor añadido a esta franquicia destinada al público juvenil que la hace disfrutable para el resto de públicos.

  Shane Black toma el relevo en la dirección a Jon Favreau quien en esta entrega se limita a actuar (bastante mal, todo hay que decirlo). El director de  Kiss Kiss Bang Bang (interpretada por Robert Downey Jr) hace un trabajo digno, su estilo apenas se nota en el film (es lo que se pretende en un blockbuster, que no se note la mano de su director, esto no es cine de autor). El film se ve sin problemas y tiene un ritmo adecuado, pasando sus más de 120 minutos sin apenas darte cuenta. Tengo que reconocer que no me gustó el inicio del film, todo lo referente al jefe de seguridad (Jon Favreau) me pareció ridículo. Se nota que han intentando buscar un equilibrio entre la comedia y la peli de superhéroes algo más seria, pero la comedia ha salido ganando. Realmente no vemos pasarlo mal a Tony Stark, siempre le queda una bravuconada por decir, aunque lo haya perdido todo. lamentablemente los villanos no son demasiado interesantes. El mandarín parece que va a ser un villano a la altura pero se desinfla a mitad de metraje. Por cierto, ¿no debería ser chino El mandarín? aquí lo han convertido en un fantoche con pinta de terrorista islámico. Parece que comercialmente es mejor que el villano no sea chino, China es una gran potencia con un gran mercado, mejor no enfadarles. Hay muchos más cines en China que en Oriente Medio.

 La película es una sucesión de chorradas sin sentido y frases ingeniosas del macarra de Tony Stark, pero divierte lo justo. No llega al nivel de Los Vengadores, pero es sin duda uno de los blockbusters del año. Esperemos que Marvel siga por este camino.

 No le pidan nada a esta película, déjense llevar por el niño que llevan dentro y puede que pasen un rato más que aceptable. 

5

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Bochornoso espectáculo a costa de Iggy Pop

 Patético, lamentable, bochornoso. Estos fueron los adjetivos que me vinieron ayer a la mente mientras asistía atónito a la ridícula entrevista (por llamarlo de alguna manera) que Pablo Motos hizo en El Hormiguero a Iggy Pop.

Entiendo que Pablo Motos haga entrevistas que rayan lo absurdo a modelos de medio pelo metidas a actrices o a famosetes de poca monta que se tiran a una piscina. Pero Iggy Pop es mucho Iggy Pop. Iggy es todo un icono del rock, una bestia parda que lleva más de cuarenta años dando caña. No es que Iggy esté en su mejor momento, sus 65 años ya pesan, sólo así se puede explicar que Iggy haya aceptado ser la imagen de una campaña publicitaria de una bebida (que admitió que no le gustaba, por cierto, olé tus huevos) y recalando en un programa como el de Pablo Motos. Un programa que no se ha caracterizado nunca por su profundidad, su único interés parece ser divertir al público a base de juegos en los que los invitados son meras comparsas.

Pero Iggy Pop es una leyenda del punk y el rock, historia viva (todavía) de excesos de todo tipo y buena música. Pero Pablo Motos desaprovechó (una vez más) la oportunidad de sacar partido a sus invitados. Sus preguntas se quedaron en las anécdotas y no quiso (o no supo) profundizar en el personaje y su trayectoria. Probablemente Pablo Motos se había enterado esa misma mañana de quien era Iggy Pop. Sus estúpidas preguntas fueron realmente irritantes, dignas de un becario de intereconomía (un día enseñaste el pito en el escenario, un día un gordo te dijo que te tiraras del escenario y se apartó, tienes un huerto). No hubo preguntas sobre el origen de su nombre artístico, la evolución de la industria discográfica, el estado actual del punk y el rock, su relación con Bowie, estancias en psiquiátricos, su afición por la canción francesa, colaboraciones con artistas actuales como Kesha, etc. Todo se quedó en adivinar qué cabeza correspondía con qué cuerpo y reconocer a estrellas cuando eran niños. Era mucho esperar que se explayaran con jugosas anécdotas sobre groupies y drogas (quizás no era el horario más adecuado), pero un poco de respeto por el personaje no hubiera estado mal (por muy macarra que haya sido).
 Motos se limitó a cuatro anécdotas, a cantar una ridícula canción sobre limones y a sus estúpidos juegos con las dichosas hormigas. Parecía que su mayor afán era dejar claro que Iggy era la imagen de una bebida, lo repitió varias veces, su faceta de estrella del punk rock no parecía interesarle demasiado. Quizás fue esto último lo que más nos irritó a los fans del personaje invitado.
Sólo el omnipresente y cansino Mario Baquerizo (reconocido imitador de Iggy Pop) le hizo justicia al personaje y admitió su devoción por el padrino del punk.

 Quien te ha visto y quien te ve, Iggy Pop. Una noche para olvidar. [ LEER ARTICULO COMPLETO ]

Amor bajo el espino blanco (Shan zha shu zhi lian, Under the Hawthorn Tree)

Zhang Yimou es uno de mis directores favoritos. El cine rural de sus inicios nos dejó joyas como Vivir!, Sorgo rojo o esa obra maestra llamada El camino a casa. Luego Yimou se pasó al cine wuxia con Héroe o La casa de las dagas voladoras y reconozco que le perdí la pista durante unos años. Con Amor bajo el espino blanco el director chino regresa a lo que mejor se le da: el modesto cine sobre personajes.

Amor bajo el espino blanco nos devuelve al mejor Yimou con una historia sencilla sobre un amor juvenil en plena revolución cultural china. Los sentimientos y las pasiones de los personajes se verán aplastados por la omnipresente influencia del partido comunista chino. No sólo la imagen propagandística de Mao está presente en buena parte de las escenas sino que los protagonistas deberán ocultar su amor para evitar posibles represalias. La reeducación y los estigmas provocados por un padre encarcelado pondrán a prueba aún más el amor de los protagonistas. Siempre se ha dicho que las dificultades agudizan el ingenio y hacen disfrutar mucho más cuando se consigue finalmente el objetivo buscado. Algo así viene a decirnos Zhang Yimou con esta bonita película.
Esta historia de amor, perfectamente ambientada y rodada con una aparente sencillez, atrapa por su sinceridad y por la emoción que emana de sus imágenes. Sin embargo, Amor bajo el espino blanco no vuelve a contar la misma historia de El camino a casa (quizás el film con el que guarda mayores similitudes) sino que aporta una mirada distinta. Sin dejar de ser emotiva, la historia es mucho más turbia y amarga (hasta hay una escena de cama). Los que se empacharon con el almíbar de El camino a casa no corren ningún riesgo con esta película.

Buena película del maestro Zhang Yimou. [ LEER ARTICULO COMPLETO ]

Una pistola en cada mano

Una pistola en cada mano está formada por distintos episodios aparentemente inconexos entre sí. En todos ellos se establece un diálogo, siendo éste la verdadera esencia del film. Cesc Gay deja hablar a sus personajes, sobre todo a los masculinos, para mostrarnos sus miedos, sus incongruencias y sus flaquezas.

Sólo el buen hacer a la hora de elaborar las líneas del diálogo y la tremenda naturalidad de la que lo dotan sus actores son capaces de hacer verosímiles ciertas situaciones del film. Pero la cosa funciona. Ninguno de los segmentos desmerece del resto ni hay ninguna bajada de ritmo o de interés.
Cesc Gay no se queda en los estereotipos masculinos sino que parece pretender mostrarnos la evolución de todos ellos. Es un film sobre hombres, sobre los distintos tipos de hombres, todos ellos en crisis permanente. Deja hablar a los personajes, no le interesa la narración sino dejar que los personajes se definan solos a través de sus palabras. Unos personajes masculinos en constante defensa de sus posiciones parapetados detrás sus máscaras. Los hombres del film son infieles, cornudos, infelices, mentirosos e inseguros. No hay quien entienda a las mujeres pero a los hombres se les entiende enseguida. Por suerte o por desgracia estamos condenados a entendernos.

El film contiene grandes duelos interpretativos de unos actores y actrices insuperables, incluso me gustó Eduardo Noriega. Por una vez, Noriega está creíble, su personaje es un capullo integral de ésos que hay a patadas. Me gustó mucho Candela Peña, una actriz que estaba desaparecida y a la que yo he echado de menos (a pesar de sus meteduras de pata en las galas de los Goya), su breve aparición es de lo mejor de esta peli. También Luis Tosar y Ricardo Darín comparten una escena propia de la mejor comedia de Woody Allen pero Gay le da un enfoque distinto, evitando caer en la comedia y en drama. También el diálogo/duelo entre Leonardo Sbaraglia y Eduard Fernández me pareció muy conseguido, esos dos amigos que dejaron de verse hace años sin motivo aparente y se vuelven a encontrar casualmente me parecieron muy conseguidos. Otro que lo borda es Javier Cámara, su personaje de ex marido arrepentido de sus infidelidades es toda una lección de interpretación. El segmento de Leonor Watling y Alberto San Juan / Cayetana Guillén Cuervo y Jordi Mollá me pareció quizás el más flojo a priori pero va ganando interés conforme va avanzando, lamentablemente el final no me acabó de resultar del todo coherente.

 Una pistola en cada mano es una buena película pero, ojito, no es una comedia. [ LEER ARTICULO COMPLETO ]

La caza (Jagten, The Hunt)

Ya decía Goebbels que una mentira mil veces repetida se convertía en verdad. Algo así viene a decirnos esta recomendable película.

El protagonista es un profesor de guardería recientemente divorciado que se ve inmerso en una espiral de odio por parte de sus vecinos. El rechazo de toda una comunidad será provocado por una mentira de consecuencias insospechadas.
El film viene a decirnos lo frágil que son las relaciones humanas o lo realmente endebles que son los lazos que nos unen. Una mentira o la leve sospecha de que un hecho terrible sea cierto pueden convertir a nuestro mejor amigo en nuestro mayor enemigo. Thomas Vinterberg muestra cómo la moral de la comunidad puede llegar a condenar a uno de sus miembros sin que haya sido realmente condenado por ello. Una simple acusación sin fundamento es más que suficiente para estigmatizar de por vida a un miembro de la comunidad.

 El director danés Thomas Vinterberg formó parte del movimiento Dogma 95, siendo Celebración (Festen, 1998) una de las mejores muestras de dicho movimiento. Han pasado los años, Vinterberg ya no sigue las estrictas normas del Dogma y su cine ha evolucionado pero aún sigue mostrando los puntos débiles de nuestra sociedad. Vinterberg ataca frontalmente los cimientos de barro de una sociedad como la danesa. Pero no olvidemos que su ataque es fácilmente exportable a cualquier otro punto del planeta. Cualquier sociedad humana puede ser tildada de hipócrita en mayor o menor medida. Vinterberg ofrece un lúcido retrato totalmente desapasionado que supone que el espectador es un ser inteligente que será capaz de verse reflejado en algunas actitudes de sus personajes y de sacar su propias conclusiones. Quizás Vinterberg pida demasiado y su relato resulte excesivamente frío y hermético a muchos espectadores. A mí me gustó, pero reconozco que ciertos momentos me parecieron demasiado gélidos (debe ser por lo nórdico).

Reconozco que Mads Mikkelsen es un actor que me resulta especialmente frío. Queda muy bien en papeles de villano (como en Casino Royale o la serie Hannibal) pero como persona normal metida en problemas me cuesta mucho creérmelo. Sin embargo, me acabó convenciendo en esta película. Su ambigua mirada (entre lánguida e inexpresiva) consiguió expresar muchas cosas como incredulidad, resignación, frustración u odio.

Perturbadora e inteligente.

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The lords of Salem

 Qué queréis que os diga, Rob Zombie me gusta más como rockero que como director.  Su fascinación por lo macabro casi se podría decir que raya en lo obsesivo. El tipo le echa ganas y tanto su música como su cine parten de lugares comunes ( monstruos, satanismo, gore, sexo, etc) pero su formula acaba resultando repetitiva.

El problema del Zombie director es que su cine me parece siempre un refrito de obras anteriores. No basta con mezclar las referencias a los clásicos del terror con ríos de sangre descontrolados y personajes extremos. Su cine es conscientemente sacrílego y trangresor, lo que lo hace muy poco aconsejable para el público mainstream. Sabe remover estómagos, sin duda, pero no le veo capaz de crear ese clásico del terror moderno que parece pretender crear. Mucho homenaje y mucha sangre pero poca originalidad. Ya su primera película La casa de los 1.000 cadáveres me pareció un refrito de La matanza de Texas dirigido por un tipo hasta las cejas de ácido. La cosa mejoró algo con su secuela Los renegados del diablo, pero sus remakes de Halloween son sólo eso, remakes.

Ahora Rob Zombie ataca de nuevo con The Lords of Salem, un refrito descarado de La semilla del diablo (Rosemary's baby), el clásico de Roman Polanski. Por mucho que Zombie introduzca elementos satánicos bastante más explícitos (y evidentes) como la chica cabalgando sobre una cabra, su film es un remake encubierto y manchado de sangre de la mítica cinta de Polanski. Así de claro. Pero lo que realmente hacía notable al film de Polanski era que el espectador nunca estaba seguro de lo que estaba pasando, no había ninguna prueba de los paranormal, todo son indicios y sospechas pero no hay ninguna certeza. Todo podría ocurrir en la mente de la protagonista (o no). Polanski evitaba todo elemento de la iconografía satánica  En el film de Zombie no hay tal sutileza ni existe duda ninguna, Zombie juega con todos lo elementos tradicionalmente asociados al satanismo y la brujería, sólo deja fuera la imagen de las bruja volando en una escoba. No es capaz de crear un universo propio, sólo se recrea en lo ya conocido, evidenciando su falta de verdadero talento.
 No sólo de la obra maestra de polanski bebe Rob Zombie, los planos de pasillos recuerdan inevitablemente a El resplandor de Kubrick. Y es que Polanski y Kubrick son palabras mayores. Dudo mucho que dentro de 30 años nadie hable del cine de Rob Zombie, aunque nunca se sabe. Hay mucho aficionado al gore suelto por la red.

Pero la cosa no queda ahí, el film tiene una primera hora bastante tediosa, le cuesta arrancar demasiado. Zombie se eterniza con una presentación de personajes que es bastante clásica sólo alterada por algún susto a lo Insidious o Sinister. Es en un última media hora cuando Zombie nos introduce de lleno en su particular universo de terror mostrando todo su imaginario sobre brujería y satanismo. Ni siquiera en eso me pareció original. El film es en su parte final un complejo ritual sangriento a base de provocadoras imágenes surrealistas propias del mejor Jodorowsky. Lástima que esta herética orgía de sangre llegué demasiado tarde y el espectador esté deseando que la cosa acabe cuando antes. Esperar una hora para ver este bizarro videoclip me parece excesivo.

Del reparto, cabe destacar que Rob Zombie sigue la estela de Tim Burton (otro amante de los monstruos y las chicas guapas) y se empeña en sacar en todas sus películas a su esposa, Sheri Moon Zombie. Sheri está mejor que otras veces pero sigue sin ser una actriz creíble. La chica es mona y entendemos que le guste a Zombie, pero como actriz se le dan mejor los gritos que los diálogos.

 Supongo que esta peli hace 15 años me hubiera impactado, pero ahora me ha dejado indiferente. Rob Zombie sigue atascado en sus influencias sin ser capaz de convertirse en un verdadero creador.
Fallida, una vez más.
4,5

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Casual day (2007)

Nos guste o no, el trabajo es una parte fundamental de nuestras vidas. Excepto unos pocos afortunados, todos necesitamos un medio de ganarnos la vida. Es curioso que, en un país como el nuestro en el que la ausencia de trabajo es todo un problema (ya tragedia) nacional, se hayan hecho tan pocas películas sobre el paro. Los lunes al sol me parece una de las mejores aproximaciones patrias a este espinoso asunto. Quizás el cine social no haya tenido en nuestra filmografía el tratamiento que ha tenido en otras como la inglesa con el siempre incómodo Ken Loach. Pero aún me llama mas la atención que incluso se hayan hecho menos películas en nuestro país sobre el mundo laboral.

Como ser social que es, el ser humano tiende a relacionarse con sus iguales en cualquier situación y el mundo laboral no es una excepción. Una empresa es una gran familia que incluye a personas de muy distintos pelajes y en muy diversos roles. No todos podemos ser jefes, tampoco todos valdríamos para ello (aunque nos guste pensar que sí y que lo haríamos mucho mejor que los actuales).

 Casual day es una práctica importada de Estados Unidos (de dónde iba a ser) en la que los empleados de una empresa dedican un día (generalmente un viernes) a ir de excursión al campo para realizar distintas actividades fuera del ámbito laboral y así estrechar lazos y reforzar su idea de equipo. Partiendo de esta idea Max Lemcke realizó una estupenda radiogafía del mundo laboral moderno. En sus personajes podremos reconocer a personas que son habituales en casi cualquier empresa: el pelota, el implicado, el tiburón, el enchufado, el trepa, el resentido, el pringado, etc. Casual day no es una comedia al uso, tiene un trasfondo agridulce y las risas que provoca no están exentas de cierta amargura. A mí me vinieron algunas preguntas a la cabeza: ¿Realmente sirven para algo estas prácticas? ¿Se olvidan los roles laborales fuera de la empresa? ¿O sirven para extender los roles laborales al ámbito personal?
 Tengo que reconocer que el film no empieza bien, la larga escena con Marta Etura me pareció un inicio muy poco acertado. Etura me parece una ctriz estupenda pero su escena me pareció que no está bien hilvanada con el resto de la historia. A partir de ahí, creo que pocas objeciones se pueden poner a la película. Este tipo de películas creo que son necesarias ya que hacen la función de reflejar una realidad de la que quizás muchos no seamos conscientes. Si además lo hace desde un punto de vista irónico, pues mucho mejor.

Con una idea interesante y un buen guión ya tienes mucho camino recorrido, sólo hace falta un buen plantel de actores. Por suerte, en Casual Day están todos perfectos en sus personajes. Yo me quedo con el maestro Juan Diego, excelente la reconstrucción de su peculiar jefe, el típico que te está jodiendo y te lo vende como si te estuviera haciendo un favor. Se nota que en la elaboración de los personajes ha habido mucha observación. También Luis Tósar borda su personaje de tiburón de los negocios. Todo el elenco está francamente bien, incluso Arturo Valls consigue no pasarse en su eterno personaje de caradura (otro ser que siempre pulula por el mundo laboral).

Lo dicho, recomendable para todos aquellos que tienen o alguna vez tuvieron un trabajo.

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El Último Desafío (The last stand)

El último desafío no deja de ser el típico western de toda la vida, ya sabes: un pueblo fronterizo, un sheriff, un villano que quiere escapar a México. Lo único atractivo, a priori, de este regreso de Arnold Schwarzenegger era la elección del coreano Kim Ji-woon (2 hermanas, I saw the devil, El bueno, el malo y el raro) como director del proyecto.

¿Quien echaba de menos a Arnold Schwarzenegger? Yo no. La verdad es que en estos 10 años de ausencia como protagonista, desde la penosa Terminator 3, yo no le he extrañado. Casi le prefiero como gobernador de California que como actor. Para su regreso a la gran pantalla como protagonista Schwarzenegger ha elegido esta historia.

A lío, The last stand es puro divertimento sin pretensiones, una peli para no pensar demasiado y pasar un rato entretenido. Los estereotipados personajes y su trama de western crepuscular no aportan nada nuevo al cine de acción pero a los fans de Schwarzenegger les gustará. Realmente la mano de Kim Ji-woon apenas se nota, otorga al film de un ritmo más que correcto y entrega escenas de acción muy bien rodadas como la pelea final, la escena del autobús y la del campo de maíz. Pero con un guión así de simplón no se puede hacer mucho más. Obviamente, el guión es una mera excusa para el lucimiento de Schwarzenegger y no faltan ciertos chistes a costa de su edad. Por suerte, todo en esta película viene rodeado de una sana ironía que parece heredada de la de Los Mercenarios. No es un film para tomarse en serio, sólo pretende hacernos pasar un rato ameno a base de tiros, explosiones y chicas guapas.

No hay quien se crea que un narco se intente escapar de esta manera ni tampoco hay quien se crea a Eduardo Noriega en este papel. Noriega es, en mi opinión, un lastre para el film, el tipo está tan inexpresivo como de costumbre y no tiene el carisma que requiere todo villano que se precie. Ni que decir que el enfrentamiento cuerpo a cuerpo entre Noriega y Schwarzenegger resulta desigual (a pesar de que a Schwarzenegger le pesan bastante los años). Por suerte el guión deja algo de hueco para secundarios interesantes como el del granjero interpretado por el gran Harry Dean Stanton en la que creo debió de ser su última participación en un rodaje antes de morir.

Por cierto, el film está plagado de bellas modelos que interpretan a agentes del FBI, camareras, ayudantes del sheriff, pilotos de helicóptero, etc. Parece que en este moderno western sólo existen las chicas guapas (y alguna viejecita con mala leche). Me chirrió bastante el personaje de Johnny Knoxville, me pareció totalmente fuera de lugar, es un contrapunto humorístico a la coreana que no me acabó de cuajar en ningún momento, una caricatura del típico friki americano loco por las armas. Supongo que es ahí donde más se nota la mano de Kim Ji-woon, que a veces se le va la mano con estos personajes tan excesivos.

Lo dicho, una peli de acción para pasar el y olvidar acto seguido.

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Efectos secundarios (Side effects)

 Efectos secundarios se inicia con el plano general de un edificio, poco a poco la cámara se va centrando en una ventana hasta que nos muestra lo que ocurre en su interior. El film acaba a la inversa, la cámara sale de una habitación para ir abriendo campo dejando ver el resto de ventanas del edificio. Tal forma de iniciar y acabar el film nos lleva a pesar que esta historia nos puede pasar a cualquiera, que detrás de cada ventana hay una historia.

 Steven Soderbergh es un tipo listo, no me gusta su cine pero lleva un par de títulos bastante acertados, tras Contagio, vuelve a dar en la diana con Efectos secundarios. Ahora dice que se retira del cine, no me lo creo pero tampoco le echaré de menos si tal cosa ocurre finalmente. Sordrebergh no ha conseguido crear un estilo propio ni ha demostrado ser un gran director, supongo que tal cosa debe ser altamente dolorosa para su ego y prefiere dejar el negocio con un  par de buenas películas como colofón.

Efectos secundarios empieza siendo en apariencia una película sobre el negocio de la industria farmacéutica y su manera indiscriminada de medicar a la población. Asistimos al negocio de las grandes farmacéuticas, las primas a los médicos, la salida al mercado de productos no del todo testados, etc. Luego el film muta de la crítica a la industria farmacéutica hacia el thriller psicológico centrándose en los problemas mentales de la protagonista y en la relación con su psiquiatra (Jude Law) que parece más interesado en medicar a su paciente que en escucharla. Pero luego vuelve a dar otro giro argumental y de estilo dejando al espectador algo descolocado, nada es lo que parece en este film que, si no es perfecto, sí logra mantener la atención del espectador en todo momento. Por cierto, la sombra de Hitchcock asomó en más de un momento, no sólo el inicio recuerda a La ventana indiscreta sino que el desarrollo de la trama nos hace pensar en Recuerda. 

 Al igual que hacía el mago del suspense Sorderbergh se sirve de la soledad, la tristeza, la depresión para realizar su propio thriller pero no profundiza en ellas ni muestra posibles alternativas, son sólo herramientas. Quizás yo me hubiera centrado más en la ansiedad y la angustia con la que convivimos todos los días y me hubiera gustado que se centrara menos en ciertos aspectos judiciales, pero el film consigue nadar entre dos aguas sin hundirse. Sorderbergh lleva la historia de un lado para otro (incluso hay atisbos de thriller erótico y crítica al sistema financiero) sin perder el control en ningún momento ni dar pasos en falso. Puede que el resultado resulte algo tramposo y previsible (sé que suena contradictorio) pero tiene los suficientes méritos. Al no optar por ningún género y oscilar entre uno y otro, Sorderbergh entrega un film extraño y de indudable atractivo para los amantes de las historias no convencionales (aunque al final no resulte tan innovadora como pretende su autor) .
En cuanto a los actores, me gustó Rooney Mara pero esta chica corre el serio peligro de encasillarse en papeles de rarita. Su escuálida y pálida presencia pueden jugar en su contra si sigue aceptando este tipo de personajes tan al límite. Por su parte, Jude Law y Catherine Zeta-Jones están correctitos, sin más. Yo, personalmente, hubiera también profundizado mucho más en la relación entre los personajes de Rooney Mara y la Zeta-Jones (cuando veáis la peli entenderéis de lo que hablo).

 Quizás el pecado de Sorderbergh haya sido una vez más la pretenciosidad y haya querido abarcar demasiado, pero no puedo decir que su película me decepcionara o desagradara. Todo lo contrario.



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Sound city

Dave Grohl (Nirvana, Foo fighters) dirige este documental sobre los míticos estudios Sound City. De Neil Young a Rage against the machine pasando por Tom Petty o Fleetwood Mac, decenas de artistas imprescindibles de la historia del rock grabaron en estos estudios.

 Me encantan los documentales sobre el mundo del rock. No puedo negarlo. Todas esas anécdotas sobre drogas, ritos satánicos, muerte, groupies y excesos de todo tipo me tienen fascinado. Pero el rock es mucho más, no hemos de olvidarnos de la música. De eso va este documental de Dave Grohl.
Cuando algo se hace con amor, se acaba notando en el resultado. Y a Dave Grohl se le nota su amor y cariño hacia los estudios Sound City, allí grabó con Nirvana Nevermind, el disco que cambió la historia del rock a principios de los años 90.Tanta es su devoción por el rock y por el sonido que se lograba en la consola Neve de Sound City que incluso decidió comprarla cuando los estudios cerraron y la instaló en su casa. No sólo eso, la historia de esa consola y los discos que en ella se grabaron bien merecía ser contada. Así pues, Grohl se metió a director y buscó imágenes de archivo y testimonios de las personas que formaron parte de Sound city para elaborar este documental que rezuma cariño y pasión por el rock.

 Ya puestos en materia, el documental es todo un festín para cualquier aficionado al rock. La historia de Sound City es apasionante en sí misma y el documental atrapa sin remedio en su primera parte. Sin embargo, Dave Grohl es un excelente batería pero como director no está al mismo nivel. Su film es un sentido homenaje a un pedazo de historia del rock pero en su segunda mitad el interés decae bastante. A pesar de contar con la participación de personajes tan interesantes como mi adorado Trent Reznor (NIN, How to destroy angels) o el mismísimo Paul McCartney, la grabación del disco tributo a la consola de Sound city no puede competir en interés. Grohl comete el error de darse demasiado protagonismo en la segunda parte y de promocionar el disco que estaban grabando. Un fallo perdonable pero que hace que el conjunto se resienta y pierda bastante interés en su segunda mitad.

En resumen, una primera mitad apasionante y una segunda parte un tanto prescindible que dan como resultado un documental recomendable para todo buen aficionado al rock.

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El arte de Storm Thorgerson

Recientemente ha fallecido a la edad de 69 años uno de mis diseñadores gráficos favoritos, el británico Storm Thorgerson (1943-2013). Vamos a analizar brevemente su obra.

 Hubo un tiempo en el que un disco no era sólo música. Era un objeto. Y como tal objeto debía de ser entendido no sólo por su finalidad (la música) sino también por su apariencia. Hubo un tiempo en el que la imagen de un disco era algo realmente inseparable de la música que contenía. Contingente y contenido estaba íntimamente relacionados y eran inseparables.

Descubrí a Storm Thorgerson cuando era niño en la cautivadora portada de un disco en la que un cerdo sobrevolaba una fábrica. El disco en cuestión era Animals de Pink Floyd (1977) y esa foto me tuvo fascinado durante años. Con el tiempo fui descubriendo la música de Pink Floyd y descubrí que buena parte del magnetismo del grupo se debía a las sugerentes imágenes de Thorgerson.

 Ya fuera dentro del grupo de diseño Hipnosis o en solitario, Throgerson no se limitaba a fotografiar a los miembros de un grupo musical (algo muy fácil y muy común incluso hoy en día), Thorgerson creaba unas imágenes que complementaban a los discos a los que acompañaban e incluso aumentaban el magnetismo de los mismos. Thorgerson elevó las portadas de discos a obras de arte.

 Los paisajes desérticos con personajes desnudos ante objetos extraños siempre me han recordado a los primeros cuadros del Dalí surrealista. Un objeto fuera de contexo, una imagen congelada o una paradoja visual (normalmente a base de perspectivas aparentemente imposibles) servían a Thorgerson para hallar lo surrealista y lo subliminal. También los cuatro elementos (agua, tierra, aire y fuego) son habituales en sus diseños.

No olvidemos que Thorgerson empezó a hacer portadas a finales de los años sesenta y no existían los retoques digitales, muchos de sus diseños necesitaron de elaborados y costosos montajes visuales. Para la famosa foto del cerdo sobrevolando la central termoeléctrica de Battersea (Londres) se usó realmente un globo de nueve metros de largo con forma de cerdo. El primer día se había contratado un tirador para que pinchara el globo de un balazo si se levantaba el viento y arrastraba el globo. Sin embargo, un segundo día fue necesario para realizar la instantánea con la salvedad de que esta vez no se contrató al tirador y el globo se soltó al romperse la cuerda a causa de un viento que ese día sí sopló. El cerdo apareció en una granja a varias millas. Para la elaboración de la foto de A momentary lapse of reason (1987), se usaron 700 camas que se distribuyeron a lo largo de una playa. Obviamente, llovió y hubo que repetirlo todo al día siguiente. Con el tiempo las técnicas digitales facilitaron mucho el trabajo de hacer realidad sus diseños.

Su diseño más famoso, sin duda, es el prisma de The dark side of the moon de Pink Floyd. Un diseño tan simple como efectivo que realmente no era suyo, se limitó a copiarlo de la realidad. Pero si nos fijamos bien veremos que algo no está bien, la luz blanca se descompone en 6 colores en el diseño de Thorgerson, no en siete como hace realmente. La ausencia de un color o un elemento es otra de las constantes de su obra. 

 Thorgerson elaboró portadas para otros artistas como Muse, Scorpions, Alan Parsons, Biffy Clyro, Audioslave, The Cranberries, Dream Theater, The mars volta, etc. La música de estos grupos está irremediablemente unida a la obra de este diseñador. Algo que quizás se esté perdiendo ahora con la era de las descargas digitales, quizás el leve auge  del vinilo (aunque sea sólo para coleccionistas) sirva para evitar que estas imágenes caigan en el olvido.

Para ver la influencia de Dalí en la obra de Thorgerson, basta con observar un par de ejemplos.

Salvador Dalí: Niño geopolítico contemplando el nacimiento del hombre nuevo.

Salvador Dalí: El gran masturbador

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