Campeones

Para triunfar hay que asumir riesgos y parece innegable que Javier Fesser es un adicto al riesgo. Su peculiar forma de entender el cine aunando diversión y sentimientos es una arriesgada fórmula que hasta ahora se ha mostrado infalible.

Relatos salvajes

 Relatos salvajes es una refrescante comedia negra (negrísima) con toques de drama a base de episodios totalmente independientes. Los relatos tienen un único denominador común: la violencia que irrumpe inesperadamente en la vida cotidiana. Ese lado salvaje del ser humano que parece aletargado se hace visible en cada uno de estos relatos.

La violencia que Damián Szifrón presenta en sus relatos es una violencia que emana de lo más primitivo del ser humano. No nos engañemos, el ser humano es un animal, por mucho que no neguemos a creerlo, y como tal tiene unos instintos destinados a asegurar su supervivencia. Es por ello que la violencia nunca desaparecerá del todo. La sociedad pretende hacer que la violencia no sea visible o sea sólo competencia de unos pocos, pero todos podemos llegar a perder el control y dejar aflorar ese lado salvaje.

 En sus relatos, Szifrón nos presenta con mucha mala baba situaciones en las que la violencia se hace palpable. ¿Quién no ha deseado darle su merecido a ese imbécil que nos encontramos en la carretera o vengarse de esa persona que nos arruinó la vida? ¿Son tan distintos los personajes de Relatos salvajes de nosotros mismos? Sinceramente, opino que no. Puede que Szifrón haga algo de demagogia o lleve las situaciones al extremo pero creo que su película no pretende ser una fiel radiografía de la sociedad sino una sátira del mundo moderno. Un mundo que se olvida que somos seres emocionales (y más en ciertos países) que no nos movemos únicamente por la razón.
 No todos los relatos son igual de interesantes, pero el nivel no decae de manera ostensible. A mí me gustaron todos y ninguno se me hizo pesado. Quizás el de Ricardo Darín me pareció el más obvio, pero el resto me dejaron clavado al asiento. Debo destacar el primero, el del avión, simplemente genial. También el de la carretera me pareció perfecto.

 Desde la implacable e ineficaz burocracia administrativa a la justicia corrupta, casi todos los estratos sociales son reflejados sin piedad en estos relatos. Viniendo de Argentina, yo eché de menos alguna referencia al Fútbol. No creo que sea casualidad que en un momento dado dos personajes se sitúen junto a dos mandíbulas de tiburón. Szifrón se sitúa de lado del ciudadano de a pie machacado por la administración y un sistema corrupto. Ese ciudadano que decide liarda parda. Viendo el film me acordé de ese empresario turolense que estrelló su coche cargado de bombonas de gas contra la sede del PP en Madrid. ¿Era un terrorista o un ciudadano fuera de sus casillas? ¿Si las estructuras del estado no funcionan, al ciudadano de a pie sólo le queda tomarse la justicia por su mano?. No creo que la película pretenda responder a esa pregunta pero sí que la plantea en clave de humor negro.

 Szifrón ataca las leyes, normas y costumbres de esta sociedad. ¿Hay algo más falso que una boda y todas las estúpidas tradiciones que la rodean? La verdad es que la boda de Relatos salvajes me parece junto a la de Rec 3 de las mejores bodas que he visto en el cine desde Undergound .

 Divertida.

7

Magia a la luz de la luna (Magic in the Moonlight)

Fiel a su cita anual, Woody Allen regresa a la cartelera con Magia a la luz de la luna.

 El maestro Allen nos propone esta vez una ligera comedia que plasma la lucha entre lo racional y lo irracional. En un tono desenfadado Allen nos propone una comedia romántica ambientada en los felices años 20. Su historia gira en torno a  un prestigioso mago profesional que tiene como afición desenmascarar a videntes y estafadores varios. Sin embargo, el encuentro con una médium a la que intentará desenmascarar (Emma Stone) hace que entre en juego algo tan irracional e incontrolable como el amor. Ésa será la variable que hará que todo el racional mundo de nuestro protagonista se tambalee.

El protagonista encarnado por Colin Firth tiene bastantes similitudes con el gran Houdini e incluso el que fue considerado su sucesor: James Randi. Para Allen está claro que este mundo es un lugar terrible que, analizado únicamente con la razón, nos aboca irremediablemente a la desesperación. Allen parece abogar por la creencia de que el hombre moderno acaba deprimido y necesitado de ayuda psicológica. Su eterno personaje de escritor judío no practicante asiduo al psicoanalista es un ejemplo de ello. Cuando el hombre rechaza la creencia en lo sobrenatural y abraza como única guía la razón está condenado a la depresión. Es por ello que la tanto religión como la superstición sirven a las mentes más débiles para ser felices. Son meros engaños que cumplen su propósito de hacer la existencia más llevadera. El tema no es nuevo en la filmografía de Allen pero aquí lo muestra de forma más obvia que nunca. Un tema serio y controvertido que Allen trata en forma de comedia ligera y amable, sin provocar grandes risas pero sin perder nunca el tono desenfadado. Una hábil manera de quitarle hierro a un asunto tan delicado como el de las creencias.

 Allen sigue tan en forma como viene siendo habitual en estos últimos años, ya nadie espera de él grandes obras maestras pero mantiene el tipo muy dignamente e incluso a veces sorprende gratamente. Sus diálogos siguen rebosando vida y su película fluye sin hacerse nunca pesada. El maestro neoyorkino sigue cáustico y corrosivo aunque en apariencia estemos ante una amable comedia. Se permite incluso un chiste sobre la pedofilia nada más empezar el film, clara alusión a las recientes acusaciones de una de las hijas de Mia Farrow. Así es Allen.

 Ni que decir que la dirección de actores es simplemente sublime, todos están francamente bien. Colin Firth da una lección de interpretación que recuerda a los galanes las comedias clásicas  tipo Cary Grant. Por su parte, Emma Stone me sorprendió gratamente. Ambos forman una pareja bastante convincente.

No estamos ante una de sus mejores obras pero sí ante un film más que digno. Magia a la luz de la luna tiene escasas ambiciones pero ofrece un agradable visionado y algún destello de genialidad. Aun con todo es muy superior a la mayoría de películas que se estrenan en nuestras carteleras.

6,5

Ocho apellidos vascos

Ocho apellidos vascos es, sin duda, la película española del año. Una comedia que lleva camino de convertirse en la película más taquillera del cine español.

Emilio Martínez-Lázaro lleva más de 40 años en esto del cine, no es que el tipo sea un genio pero conoce el oficio. Será recordado por comedias como Amo tu cama rica, Los peores años de nuestra vida o El otro lado de la cama. También tiene películas más serias (las que mi más me gustan) como Carreteras secundarias o Las 13 rosas. Con Ocho apellidos retorna a la comedia y lo hace con un guión de Borja Cobeaga y Diego San José (responsables de las divertidas Pagafantas y No controles). Seamos claros, el innegable éxito del film radica en la espontaneidad y frescura del guión más que en la muy justita dirección de Emilio Martínez-Lázaro.
   No nos engañemos, Ocho apellidos vascos es una divertida comedia romántica a la española que sigue los cánones clásicos del género: el protagonista se hace pasar por lo que no es para conseguir a la chica. Por suerte, esta historia une a los equívocos de personalidad las ganas de reírse del mayor número de tópicos posible. El desprejuicio y el atrevimiento con el que se abordan ciertas situaciones me pareció muy divertido y necesario. Ya era hora de empezar a reírnos de nosotros mismos y de las diferencias entre las distintas comunidades/autonomías/nacionalidades que forman ese extraño crisol llamado España. Puede que lo único que realmente vertebre este país (o lo que sea) sean las ganas de burlarnos de nosotros mismos. El film parece reírse de los tópicos y los contrasta acertadamente para buscar la risa cómplice del espectador. Cosa que consigue de forma sobresaliente.

Ya era hora que se hiciera humor dentro de una manifestación por la independencia o dentro de una herriko taberna. Es una manera de quitarle hierro al asunto y un signo evidente de normalización pacífica. ¿Hubiera sido posible esta película hace quince años con ETA en activo? Lo dudo mucho. Sólo hay verdadera libertad cuando el pueblo se ríe abiertamente de cualquier tema por espinoso que sea. En ese sentido, creo que Ocho apellidos vascos es digna heredera del excelente programa Vaya semanita.

 No sé lo que opinarán los nacionalistas, ni me importa, el público se ríe de lo lindo y el film está siendo todo un éxito. Que nadie espere alta comedia ni dobles lecturas, sólo unas cuantas situaciones divertidas cimentadas en un divertido guión y unos actores entregados a la comedia. Si nos ponemos quisquillosos, tanto al guión como a la dirección se le pueden bastantes objeciones, pero todo es perdonable si el film te hace reír y disfrutar de la manera que lo hace esta película.

 Tanto Dani Rovira, como Carmen Machi y Karra Elejanlde demuestran tener una vis cómica impagable. La más floja del reparto me pareció Clara Lago, quizás se deba a que su personaje es el menos divertido de todos a pesar de ser el desencadenante de todo este lío.

El boca a boca pocas veces se equivoca. Vayan a  verla, pasarán un buen rato.

3 Bodas de más

Javier Ruiz Caldera (Spanish movie, Promoción fantasma) sigue intentado hacerse un hueco dentro del terreno de la comedia española. Sus películas hasta la fecha no me fascinan, creo que abusa demasiado de chiste fácil. 3 bodas de más fue la película española más vista en 2013 con casi un millón de espectadores. Algo tendrá, me dije yo y me dispuse a verla sin ningún tipo de prejuicio.

 La película no es gran cosa, nada de alta comedia con desarrollo de personajes, sutiles chistes ni elaborados gags. Todo en esta película es bastante zafio y de trazo grueso, ya sabes: chistes sexuales a porrillo y el ya habitual caca, culo, pedo, pis. Incluso se permite un chiste sobre una persona inválida que me resultó difícilmente digerible. A pesar de saber que estamos ante una comedia desenfadada, hay ciertos temas a los que no les veo la gracia por ningún lado.
 El problema no es que los chistes sean bastante soeces, cosa que se podría perdonar fácilmente si cumplieran su cometido de hacer reír (como en Torrente 4), sino que sólo te ríes en un par de momentos y el resto del tiempo no pasas de la sonrisa (como mucho). A pesar de contar con actores de más que probada solvencia para el humor como Paco León o Berto Romero, la película no consigue mantener el ritmo. Tiene realmente tres golpes buenos de humor y uno de ellos te lo destripaban en un trailer que emitían hasta en la sopa en una aplastante campaña publicitaria.

 Javier Ruiz Caldera comete el error de pretender hacer algo más que una simple comedia (uno de los géneros más difíciles, por cierto) a la española. Intenta darle un toque romántico al asunto originando una de esas bochornosas escenas que dan vergüenza ajena, me refiero a la cancioncilla de Europe (grupo al que acabé odiando cuando era crío). Tampoco la repetitiva estructura del guión (boda 1 / boda 2 / boda 3) y los momentos escatológicos como el del servicio ayudan a que la película levantara el vuelo. Quizás estoy siendo demasiado exigente con una comedia que sólo aspiraba a hacer pasar un rato agradable, no sé.

 Por suerte, el film se sustenta en la siempre eficiente Inma Cuesta, siendo el guaperas Martiño Rivas bastante más flojo. La química entre ellos es practicamente la misma que entre una gamba y un vaso de leche. Paco León hace de Luisma con rastas y Quim Gutierrez ya empieza a encasillarse en este tipo de personajes. Siendo el personaje más efectivo a la hora de hacer reír el de Rossy DePalma.

Realmente entiendo el éxito de esta película, el público se ríe tres veces y ya es mucho con la que está cayendo. Se nota que la gente quiere divertirse y olvidarse de la crisis durante un rato. Sin embargo a mí el film me supo a poco, espero que 8 apellidos vascos sea más divertida.

Floja.

4,5

Sobran las palabras (Enough said)

Sobran las palabras es una atípica comedia romántica. No es la habitual y manida historia de chico conoce chica, más bien sería madre divorciada conoce padre divorciado. No es una comedia alocada llena de estupideces y chistes soeces que tanto abundan últimamente.

  Nicole Holofcener escribe y dirige su propio guión y se nota que a los mandos del proyecto hay una mujer. Holofcener consigue mantener la sonrisa en la cara del espectador durante buena parte del metraje e incluso, al menos a mí, me hizo reír varias veces. Es una historia inteligente con un buen guión que se basa en los diálogos y las miradas más que en los golpes de humor. Se podría decir que es la sobria e irónica reflexión de una mujer madura sobre el amor y el paso del tiempo.

 La verdad es que se agradece que llegue este tipo de cine a nuestras pantallas. Un cine de personajes inmersos en la mediana edad, que ya conocen el fracaso en el amor, corazones rotos que intentan seguir latiendo en busca de una segunda oportunidad. No es sólo el momento de intentar reconstruir sus vidas amorosas, sino que además los protagonistas se enfrentan al inevitable abandono del nido por parte de los hijos (hijas en este caso). La soledad y la vejez son un terrible panorama. Puede parecer por momentos que el film es superficial y ligero pero tiene un trasfondo bastante amargo.

 Una casualidad hará que nuestra protagonista empiece una relación amorosa con el ex marido de una paciente. Sus relaciones con los miembros de la extinta pareja se verán inevitablemente intoxicadas por la información suministrada por ambos bandos. Nuestra protagonista será incapaz de revelar su identidad por miedo a perder a su nueva pareja o a su nueva amiga. Estamos ante la típica confusión de identidades provocada por una casualidad que coloca a la protagonista en una encrucijada, pero sazonada de una agradable ironía. Me pareció muy inteligente la manera en que el guión contrasta las distintas opiniones sobre una misma persona según provengan de su nueva pareja (llena de ilusión y expectativas) o de su ex (llena de hastío). Lo que en principio pueden parecer pequeños defectos o manías casi imperceptibles se pueden convertir con el tiempo en escollos insalvables para una relación.

Lamentablemente, esta buena historia nos ha llegada a los pocos meses del fallecimiento de James Galdonfini, siendo ésta una de sus últimas apariciones. Galdonfini está muy bien y tiene una excelente química con Julia Louis-Dreyfus. Siendo esta última la que realmente lleva el peso del film y realiza una gran interpretación llena de matices. Catherine Keener y Toni Collette completan el reparto.

Recomendable. Ojalá tuviéramos más comedias dirigidas por mujeres.

6,5

Desmontando a Harry

Cuando alguien me dice que el cine de Woody Allen le parece aburrido (cosa que me pasa bastante a menudo) yo no puedo evitar pensar :”Eso es porque no has visto Desmontando a Harry”.

Desmontando a Harry es la comedia más ácida y corrosiva de Woody Allen. Una vez más asistimos a las desventuras del típico escritor judío (¿un reflejo de Allen real?) pero aquí adopta un punto de vista mordaz que no deja títere con cabeza. Sinceramente, creo que Allen ideó este film para ajustar cuentas y decir todo lo que tenía que decir. Nunca ha sido tan cínico sobre temas como el matrimonio o la religión ni tan explícito (casi soez) sobre el sexo. Es un Allen desatado, casi rabioso, pero que nunca deja de ser Woody Allen.

Tras su divorcio de Mia Farrow se dijeron muchas cosas sobre Allen (casi ninguna buena) su vida personal saltó a la palestra y los medios se cebaron con el director. Puede que la vida familiar con Allen sea un infierno (quien sabe) pero Farrow se dedicó a contar intimidades a los cuatro vientos (aún se descuelga a veces con alguna intimidad). Se entiende buena parte de su despecho, Woody se había liado con la hija adoptiva de Farrow. La cosa pintaba muy mal y Allen fue presentado al mundo como un pervertido. A mí, personalmente, no me interesa la vida privada de Allen ni de nadie, sólo me interesa su cine. Pero es inevitable que la vida personal de cualquier artista o creador acabe influyendo en su obra.

 Allen contraatacó de la mejor manera posible. Usando una película para poner los puntos sobre la íes. Su personaje, el Harry del título, cliente habitual de prostitutas, bebe demasiado, es adicto a las pastillas, tiene tendencia a la depresión, tiene una pésima relación con sus ex mujeres, ya no le quedan amigos y descuida a su hijo. Harry es la caricatura de Woody Allen, la imagen deformada que se presentó desde ciertos medios sensacionalistas. Al igual que a su personaje, Allen vuelca experiencias propias en su obra y muchas personas pueden verse reflejadas en los personajes de ficción. Allen usa esta herramienta para arremeter indirectamente contra todo bicho viviente, siendo los fundamentalistas religiosos (especialmente los judíos) los que salen peor parados. El segmento de la psiquiatra que acaba convertida en una ferviente creyente por el hecho de tener un hijo es muy significativo de la forma que tiene Allen de entender el judaísmo. No olvidemos que Allen proviene de una familia judía.

 En un momento del film, Harry recibe la visita de los personajes de ficción salidos de su propia imaginación, en un momento dado podemos ver a una mujer muy parecida a Mia Farrow. Como si Allen nos quisiera decir que sin él la Farrow nunca hubiera sido nada. La verdad es que la carrera posterior a su relación con Allen es bastante mediocre.

Para un film así, Allen se sirve de un curioso montaje (muchas escenas parece que han sido montadas por un epiléptico) y un buen elenco de actores. La licencia de mezclar realidad con fantasía es habitual en su filmografía, valgan como ejemplos Sueños de un seductor (aunque no la dirigió él, el guión era suyo), Midnight in Paris o La rosa Púrpura del Cairo. Allen elabora una especie de realismo mágico en la que personajes imaginarios interactúan con los protagonistas.
Yo me quedo con escenas antológicas que derrochan imaginación como la de la prostituta, la visita al infierno o la de el actor desenfocado. Aunque reconozco que me quedo con el diálogo (quizás misógino y machista) con su hijo sobre Dios: "No sabemos si Dios existe, pero las mujeres están. Y no en un cielo imaginario, sino aquí, en la Tierra.". Pues Woody, si tú lo dices, no voy a ser yo quien te lleve la contraria.

No se pierdan esta obra maestra de humor ácido y corrosivo de uno de los mejores cineastas del siglo XX y de lo que llevamos del XXI.

Mi tío (Mon oncle, 1958)

Cinco años después del éxito cosechado por Jacques Tati con su film "Las vacaciones del M. Hulot", Tati recupera a este entrañable personaje para esta fábula sobre el mundo moderno.

 En la década de los años 50 del siglo pasado el mundo estaba cambiando rápidamente, tras la segunda guerra mundial vino un tiempo de reconstrucción y desarrollo en casi toda Europa. El mundo se dividía en bloques, se produjo un importante desarrollo industrial y los avances científicos se incorporaron rápidamente a la vida cotidiana. Jacques Tati nos ofrece en Mi tío su particular y divertida visión de esta vida moderna.

 Ya desde los excelentes títulos de crédito Tati deja claras sus intenciones. Acompañado de una músicas inolvidable, el film empieza mostrándonos un barrio tradicional, de los de toda la vida. Sus calles y sus habitantes viven en plena armonía: charlas en las plazas, compran en los mercados, etc. Pero esa armonía se quiebra en un plano en el que vemos tras una puerta semiderruida una urbanización de modernos edificios. El modernismo no parece ser del agrado de Tati, siendo esta película un ataque a esta modernidad mal entendida. Una modernidad que se olvida de las relaciones personales y se centra en las apariencias.

 Tati contrapone el mundo moderno (consumista, frío, distante) con el mundo tradicional. Dos formas opuestas de vivir. En el mundo antiguo se primaban las relaciones personales, el diálogo con los amigos, el tomar unas copas, etc mientras en el mundo moderno se prima la apariencia, la privacidad y el aislamiento. Tati no hace una agria crítica social sino que usa la ironía y el humor para burlarse del sinsentido al que nos lleva la vida moderna. Para mostrarnos la superficialidad del mundo industrial Tati se sirve de ciertos objetos. Las mangueras de plástico que produce el cuñado en su fábrica están absurdamente omnipresentes en todas las escenas que allí ocurren. La puerta de entrada a la moderna casa es otro elemento ridículo que entorpece la comunicación con el exterior, de igual manera el timbre no puede ser más insidioso. mi objeto favorito es la fuente con forma de pez, toda una metáfora de la falsedad del mundo moderno. Es un objeto ruidoso y para nada funcional, pero queda bonito. Normalmente está apagado, pero se enciende cuando llega alguna visita del exterior, le da un toque moderno a la casa y viste mucho.


El niño es el nexo de unión entre los dos mundos, es evidente que es mucho más feliz con sus amigos del barrio viejo o con su tío que en la moderna casa de sus padres. Tati hace chocar aún más estos dos mundos haciendo que el tío entre a trabajar en la fábrica de su cuñado, la automatización y el trabajo no están hechos para el tío Hulot, quien se pasa buena parte de su jornada descansando o durmiendo, el mundo moderno no es para él (velada referencia a Chaplin y su Tiempos modernos). Es evidente en todo el film la influencia del cine mudo en su planificación y el desarrollo de muchos gags visuales. El sombrero y el paraguas del tío (interpretado por el propio Tati) son dignos herederos del bombín y el bastón del gran Charles Chaplin. 

 Podría parecer que Mi tío es sólo una sucesión de gags, algunos de ellos realmente geniales, sin aparente conexión entre ellos, pero yo opino que todos aportan algo a este peculiar mundo de Tati. La escena de la recepción en el jardín me pareció fabulosa, mejor que la posterior de El guateque de Blake Edwads con Perter Sellers, que prácticamente se puede decir que toma muchas cosas prestadas de Mi tío. También la escena del tío en la cocina es desternillante. Pero el tono general del film es de amable comedia que consigue que el espectador siempre tenga una sonrisa en la cara y a la vez reflexione sobre lo que está viendo. tati no eleboró un film de denuncia o un film combativo, prefirió la ironía y el humor para exponer su punto de vista.

El éxito de crítica y público de Mi tío fue enorme, incluso ganó el Oscar a mejor película extranjera y el premio especial del jurado en Cannes. No se puede negar su influencia en muchos directores posteriores como Jean-Pierre Jeunet (evidente especialmente Delicatessen o Amélie) o Javier Fesser (El milagro de P. Tinto).

Mi tío es un film entrañable y divertido cuyo mensaje sigue vigente hoy en día, 55 años después de su estreno.

Escondidos en brujas (In Bruges, 2008)

Tras un desastroso trabajito, dos asesinos a sueldo deben desaparecer de Londres durante una temporada. Su jefe les recomienda que se escondan en la bella ciudad belga de Brujas.

Hay películas que te las venden como si fueran una comedia y cuando las ves no consigues verles la gracia por ningún lado. Esto es lo que me ha pasado con Escondidos en Brujas. Pienso que han intentado hacer una comedia negra diferente pero les ha salido una peli bastante sosa y sin apenas gracia. Se nota que en algunos momentos se esfuerzan por hacer reír y que pases un buen rato pero no lo consigue. Salvo en un par de ocasiones (la nota del teléfono y los americanos en la torre) apenas me arrancó una sonrisa. Reconozco que un par de veces miré el reloj para ver cuánto faltaba para el final.  Los chistes a costa de disminuidos físicos no me hacen gracia y el resto de las situaciones son de lo más soso. Además, temas como la culpa y la redención creo que no están bien tratados.

El guión es original pero no tiene chispa ninguna. Es muy complicado hacer una comedia con temas como el asesinato o el suicidio. Esta historia en manos de Woody Allen o Billy Wilder nos podría haber dado un film divertido lleno de humor negro. Aunque el dramaturgo Martin McDonagh lo ha intentado, creo que ha fracasado. Ha intentado ofrecer una especie de parodia del cine negro convencional, pero se ha quedado en una mala imitación a la europea del cine de  Tarantino y Woody Allen. No puedo dejar de citar que el film tiene uno de los finales más absurdos que recuerdo. No puedo contar nada pero los últimos 15 minutos se hacen eternos a la vez que dan vergüenza ajena.

Los actores hacen lo que pueden en esta historia imposible: Colin Farrell está fatal con su eterna expresión de apenado y arqueando las cejas que parece que tienen vida propia y se le van a escapar de la cara de un momento a otro. Este tipo da el pego en pelis de acción tipo Desafío total, pero cuando se pone serio no da la talla, ya era el peor con diferencia de El sueño de Casandra pero aquí no sabe por dónde se anda. Brendan Gleeson está correcto.  Ralph Fiennes tiene un papel que debería asustar pero resulta ridículo, su interpretación es histriónica y exagerada,  parece una parodia de Gary Oldman.

Lo mejor del film es la guía turística que nos ofrece por los monumentos de Brujas. El resto es totalmente prescindible y olvidable. Aburrida.

3,5

El mundo es nuestro

Es curioso que en un país atenazado por  el paro y la corrupción, estos temas no han sido suficientemente tratados en nuestro cine.

 Es de agradecer que, finalmente, haya surgido un film como El mundo es nuestro. No deja de ser muy ibérico lo de usar el esperpento para hacer más evidentes nuestras miserias. El mundo es nuestro es una película que se ha financiado con las aportaciones anónimas, quizás ninguna productora quisiera financiar un film así de políticamente incorrecto, pero muchos espectadores sí estaban dispuestos a pagar por ver hecha realidad esta divertida sátira sobre un país en ruinas.

El mundo es nuestro narra el atraco a una sucursal bancaria (el gran centro del mal) realizado por dos jóvenes ninis vestidos de nazarenos en plena semana santa sevillana. A pesar de su aparente sencillez, sus autores han sido muy hábiles al realizar un acertado cuadro costumbrista de la sociedad actual. En la espontaneidad de los diálogos y la presentación de personajes recuerda al tándem Berlanga- Azcona aunque formalmente se parezca más a Todos al suelo (divertidísima comedia de Pajares y Esteso), La estanquera de Vallecas o los Torrentes de Santiago Segura.
El mundo es nuestro brilla por su descaro, su falta de prejuicios y su consciencia de la realidad social actual. Un espejo deformado de esta España en crisis llena de parados (los buenos de la historia) que van a sellar la cartilla del paro en traje de faena y banqueros (los villanos) con maletines llenos de dinero. Es en sus personajes y en sus ágiles diálogos donde el film tiene sus mayores bazas. No pasa de ser un mero divertimento pero acierta de pleno a poner el dedo en la llaga en varios temas de candente actualidad. Siempre es un sano ejercicio reírse de uno mismo, algo en lo que los andaluces son unos maetro.

 Los chicos de Mundo Ficción (Alfonso Sánchez y Alberto López) han logrado dar el salto a la gran pantalla desde youtube gracias a las aportaciones anónimas de sus miles de seguidores. No todo va a ser malo en internet, ya va siendo hora de que nuevos valores salgan de la red.  Ellos interpretan a estos dos jóvenes canis sin oficio, beneficio, ni futuro que deciden emular al Dioni y dar un golpe que les permita retirarse. Son personajes un tanto caricaturescos (o no) pero que en pantalla resultan de lo más gracioso (todos conocemos a alguien así). Del resto de personajes yo me quedo con la parejita que van firmar su sentencia de muerte, perdón, quería decir su hipoteca, y el comisario con afición a las barras de bar. Obviamente, los personajes que salen peor parados son los banqueros y los políticos.

Como la vida misma, oiga, o, mejor dicho, ozú.

A Roma con amor (To Rome with love)

Woody Allen continúa su exilio voluntario por la vieja Europa en busca de lugares fascinantes (y cuyos políticos estén dispuestos a financiar sus películas). Londres le inspiró sus películas más oscuras (El sueño de Casandra, Match Point), París la más onírica y Barcelona la más estúpida, esta vez le toca a Roma y se nota descaradamante ya desde el título que el film es un rendido homenaje a la capital italiana.

Allen vuelve a sus historias de parejas y enredos. Nada nuevo. Sigue con sus historias de turistas adinerados  que acaban enamorados de la ciudad que visitan y de sus habitantes. Para Allen Roma no es sólo un destino turístico, es un lugar soñado que saca lo mejor de cada uno y en el que cualquier cosa es posible.

 Las distintas historias que nos presentan tiene todas un toque onírico muy sutil que Allen ya había introducido con acierto en films anteriores como Midnight in Paris o La rosa púrpura del Cairo. Aquí el elemento fantástico es tratado casi como una fábula. En cada historia hay un elemento irreal que la hace muy disfrutable. Ya sea un guardia de tráfico que habla directamente al espectador o un famoso arquitecto al que nadie parece ver excepto el joven al que da consejos, parece que todo es posible en la ciudad eterna. Me gustó especialmente la escena de la joven que se pierde en busca de una peluquería. También me agradó la historia del ciudadano anónimo que se convierte en famoso sin saben cómo ni porqué, me pareció bastante kafkiano y toda una acertada metáfora sobre la fama. Otros momentos surrealistas como el de la ducha me parecieron menos logrados pero le sirven a Allen para criticar las vacuas excentricidades en las que a veces cae el arte moderno. No se puede sacar del guión ninguna interpretación ni moraleja clara, sólo son unas historias para pasar el rato, sin nada en común entre ellas excepto que se sitúan en la ciudad de Roma y en muchos de sus lugares más emblemáticos.

 Allen no se complica la vida y rueda de forma sencilla y directa. Lo que mejor se le da, con un buen guión y buenos actores no hacen falta experimentos ni grandes presupuestos. Introduce bellos planos de los monumentos de Roma pero no cae en el publireportaje turístico (aunque está a punto). Por cierto, en los títulos de crédito iniciales no utiliza un tema de jazz sino que esta vez le cede el honor al famoso Volare de Domenico Modugno.

Los actores están bien y resultan creíbles. Jesse Eisenberg sigue dando el pego de joven pardillo mientras Ellen Page (Juno, Origen) me sigue pareciendo cada día más guapa y mejor actriz. De Penélope Cruz se puede decir que está bien en su divertido personaje de prostituta alleniana. Allen ya dijo hace años que le recordaba a la Sofia Loren de su mejor época. El que me sorprendió gratamente fue Roberto Benigni, al que normalmente no soporto, su tendencia a exagerar muescas y gestos me suele sacar de quicio, aquí no es que esté comedido pero su histrionismo le queda bien a su personaje. Supongo que Allen quería un actor que moviera mucho las manos para representar al italiano medio.