ASFIXIA (Choke)

Victor Mancini es adicto al sexo, trabaja como actor en un parque temático y finge asfixiarse en los restaurantes para aprovecharse de la caridad de sus salvadores. Su mejor amigo es otro adicto al sexo.

Las novelas de Chuck Palahniuk (autor de El club de la lucha) suelen estar contadas por sus cínicos protagonistas, personas marginadas que reaccionan ante la marginación de forma autodestructiva. Se aprovechan de las debilidades de la sociedad para sacar provecho. Al igual que en El Club de la lucha, los personajes principales asisten a terapias de grupo aunque realmente no las necesiten, sólo por diversión, sólo para saber que hay gente que está peor que ellos. Sólo para encontrar cierto consuelo. Así es el humor negro de Palahniuk.

En el caso de Choke el protagonista es el típico personaje de Palahniuk, tan cínico y autodestructivo que cae simpático desde el principio (por lo menos a mí). Todo el mundo que le rodea es igualmente repulsivo/fascinante y propio de la imaginación caótica y perversamente irónica de su autor: la madre con demencia, el amigo pervertido, las abuelitas del hospital, el personal sanitario, los compañeros de trabajo, los miembros de la terapia, etc.

El personaje de Victor (creíblemente interpretado por Sam Rockwell) no cree en nada ni en nadie, sólo se aprovecha de los demás para lograr sus fines. Pero algo (¿quizás el amor?) le hará plantearse toda su existencia, quizás no sea tan malo como él pensaba, quizás no sea malo en absoluto. La posibilidad de que realmente sea una buena persona trastocará toda su escala de valores y pondrá en peligro su ya de por sí inestable existencia. ¿Quiénes somos realmente? ¿Qué nos hace ser cómo somos? ¿Podemos cambiar nuestra forma de ser? ¿Vale la pena intentarlo?

A mí al peli me gustó, los personajes retrógrados y moralmente pervertidos de Palahniuk me parecen mucho más interesantes que todos los superhéroes y todos los robots que se convierten en camiones juntos. Su crítica a la sociedad actual y a sus corruptos valores me parece muy acertada.

Vale que aquí no está David Fincher tras la cámara y no hay una innovadora puesta en escena ni el ritmo es vertiginoso, pero si consideramos que es la primera película de Clark Gregg podemos pensar que estamos ante un director prometedor. Gregg consigue que nos involucremos en la sucia vida del protagonista y sigamos sus peripecias con interés. Si bien no llega a fascinar, sí que mantiene el ritmo de forma más que eficiente. Es valiente al tratar abiertamente temas tan espinosos (sobre todo en la puritana Norteamérica) y al mostrar ciertas escenas un tanto bizarras.

Del elenco actoral yo destacaría a Sam Rockwell (más comedido de lo habitual) y a una Anjelica Huston realmente memorable. Su interpretación de la extraña madre del protagonista (en dos momentos de su vida bastante distintos) me parece la mejor que ha hecho en bastantes años. También destacaría yo la aparición de Joel Grey (el inolvidable maestro de ceremonias de Cabaret).

Recomendable.
7

Michael Jackson: El triste reinado del solitario Rey del Pop.

Como dice Ennio Morriconne: “A genio, como a santo, sólo se llega después de muerto” y como dice mi madre: “Después de muerto le daban caldo”.

Michael Jackson fue en vida un niño prodigio, dueño de una voz privilegiada que hacía buena cualquier melodía y un talento como bailarín y cantante fuera de toda duda.
Ahora que ha fallecido en circunstancias poco claras (como todo mito norteamericano que se precie: Elvis, Marilyn), su obra y su vida se van a glorificar hasta lo infinito por millones de fans de todo el mundo.

Dicen que Michael tuvo una infancia difícil y el éxito le llego pronto, quizás demasiado, en la prestigiosa casa de discos Tamla Motown con los míticos Jackson Five. Para mí esa fue su mejor época, los primeros años 70. Su música se enraizaba en la música negra de décadas anteriores (James Brown, Diana Ross y las Supremes, Stevie Wonder, etc) y el nuevo funk y disco de los años 70.

Al emprender su carrera en solitario el éxito fue estratosférico. Apadrinado por Diana Ross y de la mano del genial Quincy Jones facturó grandes discos que están en la historia de la música por méritos propios. Thriller fue su mejor disco y será para siempre el disco más vendido de la historia, sobretodo ahora que ya casi nadie compra discos. Es innegable que nos dejó grandes temas imperecederos como Billie Jean, Beat it o el mismo Thriller.

Recuerdo una Nochevieja en la que Martes y Trece junto con Ana Obregón presentaron el video de Thriller y pasé un miedo terrible (por el video, no por Ana obregón). Ese video y otros muchos posteriores cambiaron la forma de vender la música (algo tuvo que ver también la MTV).

En ese aspecto Jackson fue todo un adelantado, sus campañas publicitarias fueron pieza clave de su éxito. Gente como Spielberg, John Landis o Scorsese dirigían los acongojantes videos de sus canciones, siempre a la última en innovaciones técnicas mientras sus giras eran patrocinadas por Pepsi.

Pero un gran éxito conlleva también un gran peso. La industria lo engulló y la presión del éxito le hizo enclaustrarse en su propia jaula de oro: su rancho Neverland, una carísima horterada llena de niños y atracciones de feria. Al final resultó que el mayor enemigo de Michael Jackson era él mismo.

Michael Jackson era el prototipo de artista en la cima que no sabe digerir el éxito y se aisla del mundo al más puro estilo Howard Hughes. Millonario y con poder pero incapaz de llevar su vida y su carrera a buen puerto. Enseguida sus excentricidades se hicieron casi más famosas que sus fantásticos bailes y sus canciones. Los escándalos, el cambio de color de piel, las cirugías (a veces bochornosas), los matrimonios de conveniencia (al más puro estilo de las monarquías del siglo XVI), demandas, juicios, etc acabaron por sepultar su figura bajo un mar de rumores.

Lo peor de todo fue que sus discos dejaron de ser buenos, apurando mucho creo que desde 1991 (hace 18 años!) no lanzaba material decente. Dangerous era un disco irregular pero fue lo último interesante que hizo.

Para mí, artísticamente hablando, Michael Jackson llevaba muerto bastante tiempo. Ni Histoy (1996) ni Invencible (2001) fueron buenos discos a la altura del mito. Al final sus caras excentricidades le pasaron factura y las deudas le obligaron a anunciar una resurrección mediante una serie de conciertos en el O2 de Londres que ya nunca podrá llevar a cabo.

Siendo sinceros, este final era de esperar y no desentona con sus últimos pasos hacia el abismo. Casi es preferible antes que verlo arrastrarse por los escenarios con 60 años en giras patéticas por la pasta: imagínatelo haciendo playback y con la cara de un personaje de comic manga de 17 años. Casi es mejor así.

Muchos otros artistas han caído en la desgracia más bizarra: Boy George cumple condena por secuestrar a un chapero, Gary Glitter ha estado varios años preso en Tailandia por tener pornografía infantil en su ordenador, incluso el gran Phil Spector (el excéntrico productor de Tina Turner, The Beatles o John Lennon) cumple condena por matar de un disparo a una actriz de segunda fila. Ángeles caídos.

La casualidad ha querido que Jackson fallezca casi a la vez que Farrah Fawcett, otra aficionada a las cirugías que no supo asimilar su (efímera) fama ni el paso del tiempo. Lo siento Farrah, hasta en la muerte vas a ser eclipsada. Yo no recuerdo la serie Los ángeles de Charlie pero en el film Saturno 3 no estaba nada mal (no recuerdo ninguna otra interpretación suya, la verdad).

Descansen en paz, al fin.

¿Hacemos una porno? (Zack and Miri Make a Porno)

Hubo una breve época en la que Kevin Smith era una gran promesa para el cine norteamericano. Hubo hasta quien dijo que era el Spike Lee blanco. Era un tipo irreverente que hacía un cine divertido lleno de referencias frikis y cinéfilas que hizo las delicias de la generación X de los noventa.

Algunos de sus films son realmente gamberros y divertidos, yo me quedo con Clerks (1994) y Clerks 2 (2006) pero el resto de su filmografía no me parece que esté a la misma altura. Su cine no ha evolucionado en estos últimos 15 años, más bien se ha edulcorado y ha perdido bastante fuelle. Los dependientes de Clerks ya tienen treinta y muchos y Bob el Silencioso (interpretado por el mismo Kevin Smith) se achicharra en su gabardina.

Ahora Kevin Smith nos trae esta comedia que aúna el universo Smith (treintañeros sin futuro, personajes curiosos, homenajes a star wars, Hockey y chistes raciales) con la comedia romántica más simplona.
Es cierto que el guión es entretenido y tiene puntos muy divertidos, pero yo echo de menos la mala baba que destilaban sus primeras obras. Lo más fuerte de esta película son algunos desnudos y algún momento escatológico que puede arrancar la risa o el asco (o los dos a la vez). Si no fuera por la escatología y los desnudos podríamos estar hablando de cualquier comedia juvenil que tanto se prodigan últimamente. Pero el film funciona a ratos (destacando el momento Star Whores) y nunca aburre pero nos da la impresión de que podría haber sido mucho más gamberra, más Smith.
Creo que la labor de los actores es el punto fuerte de la peli, los dos protagonistas Seth Rogen y Elizabeth Banks (w, Presencias extrañas, Mal ejemplo) están bastante creíbles y llevan el peso del film. Creo que los secundarios que deberían haber gozado de algo más de protagonismo, alguno de ellos daba bastante más juego. Por supuesto que Kevin Smith ha vuelto a contar con Jeff Anderson (el inolvidable Randal de Clerks) y Jason Mewes (Jay el eterno compañero de Bob el silencioso) para los personajes más curiosos. Me gustó especialmente el personaje de la ex estrella del cine X Traci Lords (en un papel hecho a su medida) y el de Justin Long (La jungla 4) como deshinibido homosexual.

Divertida, sin más.
5

Deep purple - Hush

En Octubre de 1968, Deep Purple actuaron como invitados en el Show televisivo de Hugh Hefner en su mítica mansión Playboy. El propio Hefner aparece al principio del video intentando tocar la guitarra y charlando con el grupo.
A parte de la calidad del tema y la interpretación del grupo (ojo a los teclados), el video es interesante por los bailes y las pintas del público. Algo estaba cambiando a finales de los años 60.

Publicidad: El opio del pueblo

La campaña publicitaria del año 2000 del perfume Opium es una de mis favoritas de los últimos años.

La protagonista de la campaña fue la modelo británica Sophie Dahl (nieta del novelista Roald Dahl) quien contaba entonces 23 años y acababa de perder bastantes kilos.

Sophie aparecía desnuda sobre un sofá de terciopelo negro casi imperceptible. Bueno, no estaba totalmente desnuda, calzaba unos zapatos muy chulos con tacón de aguja, of course, que sin tacones hoy en día no eres nadie. La foto estaba orientada en vertical, por lo que la modelo parecía flotar en el aire más que descansar lascivamente sobre un sofá. Si asociamos el opio con la idea de flotar, la foto adquiere cierto sentido.

En Francia y Reino Unido el cartel fue retirado por las denuncias recibidas. Sólo en Reino Unido recibió 730 quejas, lo acusaban de ofensivo y denigrar a la mujer. Para muchos era demasiado explícito y no era adecuado para vallas y carteles publicitarios (donde podían ser observados por niños).
En otros países como España, no se censuró ni se retiró y no pasó nada. Personalmente, no creo que fuera tan perjudicial para los niños ni tan denigrante para la mujer. Pero cada uno tiene su propia opinión y para gustos… los colores.

Pero… ¿¿hubiera posado Sophie Dahl para esa campaña si no hubiera perdido unos 15 kilos?? ¿Acaso las mujeres con sobrepeso no pueden ser bonitas ni tienen derecho a oler bien?

LA NIEBLA (The mist)

  Frank Darabont ya había adaptado novelas de Stephen King en Cadena perpetua (The Shawshank Redemption) y La milla verde, sus dos mejores películas. Luego dirigió The Majestic (con Jim Carrey, ni fu ni fa) y escribió un guión para la cuarta peli de Indiana Jones que entusiasmó a Spielberg pero que George Lucas rechazó por algún motivo que se desconoce. En 2007 Darabont se atrevió con otra adaptación de un relato de Stephen King: La niebla.

No debemos confundir esta película (The mist) con la de 1979 de John Carpenter también llamada La niebla (The fog). La de Carpenter está considerada hoy día como una cinta de culto en la que unos zombis atacaban un pueblo costero en busca de venganza. A pesar de compartir título en castellano, ambas películas no tienen mucho en común.

 Centrándonos en la peli de Darabont, me gustó mucho el arranque, cuando aún no sabes qué se esconde tras la niebla. Ese miedo a lo desconocido me parece muy inquietante. La película pierde bastante interés cuando descubrimos qué acecha a los protagonistas entre la espesa niebla, sobre todo cuando es algo tan inverosímil que ni ellos mismos acaban de creérselo. Parece que la tensión se ha disipado de forma irreversible y vamos a caer ante un fallido producto de ciencia ficción lleno de elementos inverosímiles, pero no.

Entonces la peli se convierte en un drama sobre personas atrapadas y sometidas a una experiencia extrema. La amenaza del exterior es menos terrible que los monstruos interiores de cada personaje. Los que busquen un film de terror probablemente saldrán decepcionados. La peli tiene algunas escenas (la de la farmacia por ejemplo) que me recordaron a Aliens de James Cameron o Aracnofobia, pero funcionan mejor las escenas en las realmente no ves la amenaza (la escena de la cuerda), lo que no se ve casi siempre da más miedo.
El tratamiento de los personajes es lo que convierte a esta cinta en una peli de terror bastante atípica. Los roles que cada uno va adoptando en la sociedad y cómo ésta se organiza y evoluciona convierten a la peli en casi un ensayo sociológico. Me pareció muy interesante el personaje de la fanática religiosa, es todo un ejemplo de cómo el miedo nos hace primitivos. Se podría interpretar que el film realiza una metáfora del pueblo norteamericano (y el resto del mundo) tras el 11-S: una amenaza exterior puede hacer desear a los ciudadanos perder libertades en busca de mayor seguridad. Como a los personajes del film, el miedo puede llegar a controlar nuestras vidas y radicalizar nuestras convicciones.

Aunque Darabont es un buen director (consigue que los niños no sean tan repelentes como suelen ser en este tipo de pelis, ni está claro quienes ni cómo van a ir pereciendo los personajes) al nadar entre dos aguas (terror y drama) la cosa no acaba de funcionar del todo. Creo que hubiera ganado puntos si no hubiera mostrado la amenaza de forma tan obvia. La peli hubiera funcionado bastante mejor. Siempre lo desconocido aterroriza más. A destacar el final, esa escena final con la canción “The host of Seraphim” del grupo Dead Can Dance, es realmente escalofriante y desoladora.
En cuanto a los actores, Marcia Gay Harden y Toby Jones bordan sus papeles de fanática y dependiente respectivamente. El resto del reparto está correcto.

Lo dicho, no es una peli de terror al uso. Unos la odiarán y otros la amarán. Yo le doy un
6,5

Marilyn Manson: The high end of the low

Los que crecimos fascinados por la brutalidad del disco “Antichrist Superstar”(1996) hemos ido viendo como la fiera se iba amansando con el paso del tiempo. De ser un tipo abominable ha llegado a convertirse en una mera parodia de sí mismo.

Las deserciones de Trent Reznor en la producción y del bajista Twiggy Ramírez dejaron a Manson finalmente solo ante el peligro y nos acabó entregando un disco tan olvidable como aquel “Eat me, drink me” de 2007 en el que el sonaba como un romántico y domesticado imitador de Him con solos de guitarra a lo Guns N’ Roses.

Ahora parece que Manson ha decidido recuperar su trono de satánico agitador de la puritana sociedad norteamericana, ha limado asperezas con Twiggy y éste ha vuelto al redil (tras sus devaneos con NIN o A perfect circle).

Al lío, el disco suena más acústico que nunca (yo echo de menos los teclados y los ruidos industriales) y es bastante más interesante que su predecesor pero tampoco aporta nada nuevo. Es cierto que han vuelto la rabia y la mala leche de los mejores tiempos de Manson. Pero quizás no sea suficiente. Muchos temas recuerdan a otros anteriores del grupo y no hay novedades significativas casi por ningún sitio pero al menos no aburre ni provoca vergüenza ajena, aunque tampoco fascina.

Manson sigue gritando sus polémicas letras de siempre, cantando como siempre, sonando como siempre pero ya no levanta las mismas ampollas. El sonido del disco es bastante inofensivo, hace 10 años nos hubiera impactado bastante más, pero hoy nos parece totalmente inocuo, muy alejado del infierno industrial de sus primeros discos.

Hay buenos temas como Devour, We’re from America, Leave a Scar o Pretty as a Swastika que nos devuelven al mejor Manson pero el resto del disco no está a la altura.

Vocalmente Manson suena algo plano (le pasa desde hace un tiempo) llegando casi a aburrir. Incluso el single Arma goddamn Motherfuckin Geddon suena al típico single de Marilyn Manson (Beautiful people, Disponsable teens, Mobscene), pero esta vez mucho menos efectivo, menos impactante.

La carrera de Manson remonta el vuelo, pero el año1996 y Antichrist Superstar han quedado muy atrás.

La extraña que hay en ti (The brave one)

Una locutora de radio que sufre un violento ataque en el que, además, pierde a su novio. Viendo que la policía no parece que vaya a dar con los agresores, decide tomarse la justicia por su mano.

Toda historia encierra una ideología, una moraleja o un mensaje que quiere compartir con el espectador, incluso las que aparentemente sólo pretenden hacerte pasar el rato, todas quieren decirte algo. Los hechos narrados y el destino de los personajes siempre tienen un mensaje, moralizante o no. Ya era así en las tragedias griegas y así es aún en el cine moderno o en los cuentos infantiles.
Hay grandes obras del cine que son abiertamente propagandísticas de una determinada ideología, los ejemplos más claros son El acorazado Potemkin (de marcada ideología revolucionaria-comunista) y El nacimiento de una nación (en la que, entre otras cosas, el Klu-Klux-Klan lincha “heroicamente” a un violador negro).

Pero hay otras películas en las que la ideología está mucho menos clara. Muchos verán La extraña que hay en ti y sólo pasarán un rato más o menos entretenido, la peli se deja ver, e igual no caen en la justificación de la violencia y el ojo por ojo que proclama el film. Al final a mí me quedo claro el mensaje: coge un arma y soluciona tus problemas, exterminemos al violento, seamos como ellos. Un mensaje tan extremo y tan poco democrático que me parece muy peligroso.

La violencia es algo inherente a la naturaleza humana (como el sexo), no seamos mojigatos, y hay grandes películas muy violentas (Kill Bill). Pero proponer la violencia y el ojo por ojo como soluciones factibles a los problemas de la sociedad no me parece que sea la mejor idea. Además este tipo de cine de pistoleros no es nada nuevo: ya en los 70 Harry el sucio o Charles Bronson imponían la ley a fuerza de gatillo, Rambo aniquila todavía enemigos de la libertad sin preguntar, John McClane sigue matando terroristas y 007 tiene licencia para matar. Todos ellos sin juicio previo, of course. Pero son meras caricaturas, deformaciones de la realidad que nadie se toma en serio, son tan exagerados que no son peligrosos. Puro entretenimiento.Nadie se imagina a Harry El Sucio leyendo los derechos a los malos y metiéndolos en el coche con la mano en su cabeza para que no se dañen al entrar. No, debe acabar con ellos a balazos y sin juicio previo. Los malos del cine son tan rematadamente malos que el espectador desea que mueran. No hay redención ni reinserción posible. El espectador no quiere que el Emperador Palpatine sea llevado a juicio, debe morir por sus crímenes. Así la violencia en el cine sirve de catarsis y válvula de escape para el espectador. Sólo es cine, no es real.

Pero el enfoque realista de La extraña que hay en ti hace que sea mucho más nociva que todas las anteriores. Aparte del mensaje fascista de la peli (el final no deja lugar a dudas), no hay mucho que contar: la peli está bien dirigida y no aburre. Lástima que caiga en los tópicos de este tipo de cine, incluido el poli de color que ayuda/persigue a la protagonista.

Eso sí, Jodie Foster demuestra que sigue siendo una gran actriz, este complejo personaje nunca lo hubieran podido interpretar adictas al botox como Nicole Kidman o Demi Moore. Jodie es lo mejor del film, sin duda. También me gustó la joven promesa Zoë Kravitz, hija de Lisa Bonet y Lenny Kravitz.

En cuanto al gran Neil Jordan (El buen ladrón, Juego de lágrimas, El fin del romance, En compañía de lobos): no sé que pinta dirigiendo este panfleto armamentístico.

4

The Beatles: Rock band

El 9 de Septiembre (09-09-09) la decadente industria discográfica juega una de sus últimas bazas: reeditar remasterizados todos los lps de los Beatles y publicar un juego para Xbox 360, Playstation 3 y Wii con 45 canciones. A falta de nuevas ideas...

Eso sí, la animación de presentación es preciosa, a mí la parte final con "I am the walrus" me ha encantado.

ANTES QUE EL DIABLO SEPA QUE HAS MUERTO

Dos hermanos con problemas financieros deciden montar un atraco a una joyería familiar. El plan es bastante sencillo pero la cosa no saldrá como esperaban.

La filmografía de Sidney Lumet incluye auténticas obras maestras como 12 hombres sin piedad (1957), Serpico (1973) o Network (1976). A sus 83 años ya no tiene nada que demostrar pero que siga regalándonos historias tan bien contadas como la que nos ocupa no deja de ser todo un lujo.

El film se centra en unos personajes que se ven atrapados por sus propias mentiras y no ven otra salida que seguir adelante. La huida hacia delante será en realidad hacia abajo y se irán hundiendo cada vez más en sus engaños. El típico pesimismo del cine de Lumet está presente: el drama está servido.

El guión de Nelly Masterson es muy bueno, un poco lento quizás para los espectadores más jóvenes o para los ansiosos de acción, pero atrapa. Sigue la moda de desordenar los hechos, te va contando la historia segmentada siguiendo a un personaje y luego a otro. Así el espectador va comprendiendo los diferentes puntos de vista y motivaciones de cada personaje. Cuanto más sabemos, más nos damos cuenta del lío en el que se están metiendo. Me gustó más que el film El punto de mira, está mucho mejor resuelto.

La dirección de actores de Lumet es magistral: Philip Seymour Hoffman y Ethan Hawke realizan unos de los mejores trabajos de su carrera como los dos hermanos metidos en problemas. Sobresaliente para ambos. El veterano Albert Finney está perfectamente creíble como el sufrido padre. Marisa Tomei (The Wrestler) se pasa media película desnuda y tiene el papel menos agradecido pero aún así está a la altura.

Recomendable, un cine del que ya casi no se hace.

7,5

TERMINATOR SALVATION

En un futuro se libra una guerra a muerte entre las máquinas y el hombre. John Connor es el líder de la resistencia humana contra Skynet.

Vayamos por partes, el Terminator de James Cameron no era ninguna maravilla (vista hoy se queda algo pobre) pero fue un mito de nuestra infancia, era entretenida y sembraba el germen de una interesante saga de ciencia ficción. Germen que Cameron supo exprimir al máximo en Terminator 2:un film de aventuras modélico, lleno de ritmo, con grandes escenas de acción y un villano antológico. Qué decir de Arnold Schwarzenegger, un muro de piedra tan inexpresivo que es ideal para interpretar a un frío robot.

La cosa dio un giro a peor en una tercera entrega que no aportaba nada nuevo. Ahora nos llega esta cuarta parte que, por fin, se sitúa en el futuro. Por fin vemos el apocalíptico fututo que Cameron sólo nos dejó intuir en las 2 primeras entregas.

El principal problema de Terminator Salvation es que James Cameron ya no está a los mandos. El guión está lleno de trepidantes escenas de acción pero muy poca imaginación. Algunos elementos característicos de la saga están presentes (las frases lapidarias, el Terminator aplastando un cráneo humano, las cintas de Sarah Connor, etc) pero bastante desaprovechados.
Lo fundamental de una peli de aventuras es el villano, el mal debe estar personificado en alguien. Pero en esta película no hay villano, gran error. Sólo al final aparece algo que se podría identificar con un villano al uso, pero aparece demasiado tarde.

Además el guión cae en ciertos absurdos que no hay por donde cogerlos (¿Qué pinta una embarazada en una batalla?) o están copiados de entregas anteriores (el camión con la bola, la fundición). Igualmente hay personajes que no aportan nada a la historia (Kate Connor, la abuela, la niña, los personajes de color para rellenar la cuota) y escenas que son un mero relleno entre escenas de acción (te suena Transformers?).

Otro fallo primordial es encargar esta película a un tipo tan negado como McG (director de esa basura que son las dos pelis de Los Ángeles de Charlie). La imposibilidad de hacer creíble cualquier situación o de lograr un mínimo de profundidad en las interpretaciones es propia de un mal director. Aunque que los actores sean malos también ayuda.

A mí Christian Bale me ha demostrado que es muy poco expresivo, su John Connor es bastante plano (como el resto de los personajes). Sam Worthington, Anton Yelchin, Bryce Dallas Howard (La chica del agua, Spider-man 3) o la guapa Moon Bloodgood (florero al canto) están bastante también bastante flojos. También aparecen Helena Bonham Carter y Michael Ironside para dar algo de dignidad al reparto, pero ni por ésas.

Si a una mala dirección, actores flojitos y un guión falto de ideas le sumamos un montaje absurdo que cae en el ridículo más propio de la serie B (la escena del ataque nocturno a la chica está metida a machetazos) la cosa puede ser de juzgado de guardia. Han recortado escenas de forma chapucera, pues hay momentos en los que te das cuenta que de pronto es de noche o que un personaje sale de la nada sin saber por qué. No hay escenas de unión ni de transición que den un ritmo o una continuidad narrativa mínimamente coherente al film (quizás tampoco sea necesario en un blockbuster pero es de agradecer).

A pesar de todo, hay que reconocer que la película entretiene y funciona bastante bien al principio con las trepidantes escenas de batallas y espectaculares persecuciones (a pesar de los movimientos de cámara) pero pronto te das cuenta que no han sabido qué hacer con la franquicia y la cosa decae mucho.

Al contrario que Star trek, la franquicia Terminator ha caído en las manos inadecuadas e igual que le pasó a la saga de Alien, puede acabar convertida en una parodia. Probablemente veamos dentro de no mucho un Terminator contra depredador o un Terminator contra Alien o un Alien y Depredador contra Terminator. Tiempo al tiempo.

Los amantes del cine de ciencia ficción o de acción no sólo quieren efectos especiales, un poco de calidad no está mal, tampoco hace falta mucha. Con que los tijeretazos del montaje no se noten y echarle un poco de imaginación al asunto sería suficiente.Vamos, que esta franquicia se merece algo mucho mejor que estos guionistas y este director.

Qué mala es y qué bien me lo pasé en las escenas de acción con el asiento vibratorio y el volumen a todo trapo en el cine. Pues le doy un

4

Publicidad: Nada es casual

Esta foto pertenece a la campaña publicitaria de una bebida. La chica es Jessica Alba. ¿Ves algo raro en la foto? Vamos a analizarla:

Los personajes: una actriz joven, famosa y guapa (fue elegida la mujer más sexy del planeta hace un par de años) rodeada de 4 bellos muchachos (ni 1, ni 2, ni 3, 4) en actitud sonriente y muy favorable hacia ella. Es rica y famosa, puede elegir a quien ella quiere. Los chicos le ofrecen sus vasos (¿símbolos fálicos?) y ella se ríe en una pose bastante incómoda. Intenta ponerte así sin romperte el cuello.

Como en muchos países está prohibido beber en la calle bebidas alcohólicas, en las fotos de este tipo de bebidas nunca nadie sale bebiendo. Llevan la copa en la mano y se lo pasan en grande pero no se la llevan a la boca. Si asociamos el vaso con un símbolo fálico, también se explica que no se lo lleven a la boca.

La composición: como si de un cuadro del Renacimiento se tratara, todos los elementos están estratégicamente colocados.
Los vasos, los chicos, los bañadores. Incluso se pueden observar las 2 diagonales en las que están dispuestos los personajes. La chica con su cuerpo forma una diagonal rematada por abajo con el brazo del muchacho que casi no aparece.
La otra diagonal la forman el brazo del chico de la izquierda, el brazo derecho de la chica y el muchacho que le mira al busto. Precisamente, ambas diagonales concentran la mirada del espectador en el busto de la chica (además, 2 chicos miran allí directamente). Nadie mira a la cara de la chica. Incluso hay una sombra que realza la forma y el volumen del pecho izquierdo de la chica. Sombra que no se ve de donde proviene, su vestido blanco inmaculado no tiene ninguna sombra encima.

Los colores: horteras con un aire retro. Rojo como el color de la bebida a publicitar. El azul de la piscina y el blanco le dan un aire años 50 un tanto rancio. Las gafas y el bañador son complementos que acentúan la impresión retro. Los retoques digitales en la foto (eliminando sombras) crean un ambiente irreal, poco creíble.

Conclusión: si bebes esta bebida entrarás en nuestro club. Los chicos más guapos, macizos y sonrientes te cortejarán sin dejar de mirate las tetas. El alcohol mola y te hace más deseable a ojos de los chicos, que guay.

Conclusión real: El alcohol engorda, así que no creo yo que estos chavalotes de la foto beban alcohol de forma habitual.

Los mundos de Coraline

Coraline se muda con sus padres a una casa en el campo para que sus padres puedan trabajar tranquilamente en su libro sobre jardinería. Coraline se aburre y decidirá explorar la casa.

Coraline es la primera película de los estudios de animación stop-motion Laika, esperemos que estos estudios sigan por el camino iniciado con Coraline. Tras las maravillosas películas Pesadilla antes de navidad y James y el melocotón gigante, el director Henry Selick adapta para los estudios Laika la novela gráfica Coraline de Neil Gaiman (gran escritor con una perversa tendencia a lo tétrico). Selick y Gaiman forman un tándem genial que desarrolla unos personajes bastante más complejos de lo que viene siendo habitual en el cine infantil. Los padres se centran en el trabajo desatendiendo a su hija, no es una premisa muy alegre, la verdad. En Coraline hay secundarios simpáticos (como el Sr Bobinsky, Wyborne o las vecinas actrices) y malos malísimos pero todos los demás personajes son mucho más ambiguos.

Y es que nada es obvio en este film, todo es ambiguo y engañoso. A Coraline no le gusta el mundo gris y lluvioso en el que vive y desea vivir en un mundo de fantasía. Pero ese atractivo mundo de fantasía está lleno de engaños y no es tan maravilloso como parece.

Se podría interpretar como “Sólo valoras lo que tienes cuando lo pierdes” o un alegato anti droga (medio de evasión de la realidad que puede acabar bastante mal, no olvidemos que Coraline tiene un encontronazo con una planta venenosa y ve insectos en la bañera). Cada uno puede buscar sus propias interpretaciones al film.

Es cierto que hay elementos que recuerdan a Lewis Carroll y su Alicia en el país de las maravillas (el gato, el espejo) o a otros films de niñas que se imaginan mundos irreales para escapar de la realidad: Tideland (de Terry Gilliam) o El laberinto del fauno. Pero Coraline tiene suficiente originalidad y personalidad propia.

Por el lado técnico, Selick demuestra ser todo un mago de la técnica de la slow motion y la animación por ordenador. Muchas secuencias dejan al espectador maravillado ante la belleza de las imágenes.

El film no es sólo precioso, es innovador y revolucionario en cuanto a la estética para películas infantiles. Escenas como la del circo de ratones, el teatro o el jardín son de lo mejor que he visto en los últimos años en animación. La desbordante imaginación visual de Selick inunda la pantalla en cada plano de esta película.

Si al perverso mundo infantil de Gaiman (los dobles, los perros-vampiro, las manos formadas por agujas) le sumamos el dominio de la técnica de Selick obtenemos un film de animación soberbio. De los mejores de los últimos años.

 Si bien no considero que sea apto para los más pequeños (demasiadas agujas, ratas y pasajes oscuros), los mayores y/o los amantes del Tim Burton más tétrico se lo pasarán de miedo.

 Yo pasé un rato muy agradable con este oscuro cuento del cual muchas imágenes se me quedaron grabadas en la retina para siempre. Tanto si te gustó Pesadilla antes de Navidad como si no, no debes perderte este film, te fascinará.

8

Memories of Murder (살인의 추억, Sarinui Chueok, 2003)

1986, en un pueblo de Corea del Sur comienzan a aparecen jóvenes asesinadas, un detective local será el encargado de encontrar al asesino.

No estamos acostumbrados a ver un film policíaco ambientado en Corea del Sur en 1986. Estamos más acostumbrados al cine de psicópatas ambientados en grandes ciudades de Estados Unidos y a que los polis sean tipos con traumas que superar pero buena gente al fin y al cabo.

Pero Memories of Murder es un film atípico. Ya desde el principio te das cuenta que la policía coreana dista mucho de los medios técnicos y humanos que podemos ver en el CSI. Primeramente llama la atención que ni los habitantes del pueblo ni los policías mismos están concienciados de la importancia de la investigación, son torpes e ineptos. No están preparados para hacer frente al frío asesino al que tienen que atrapar.

Si a la premisa argumental le sumamos unos policías de métodos bastante reprobables nos da un thriller más que interesante. La película va avanzando poco a poco en la investigación y los sospechosos se van sucediendo a medida que los asesinatos no cesan. Las pistas parecen crear un laberinto que no conduce a ningún sitio. Tanto los personajes como el espectador se ven inmersos en un desasosiego que no parece tener fin. Desasosiego aumentado por la incertidumbre de la identidad del asesino, un asesino sin rostro pero implacable.

Al igual que el último film de David Fincher, Zodiac (2007), el espectador se ve atrapado dentro de una investigación que puede llegar a obsesionarle. Incluso se podría considerar Zodiac como un encubierto remake americano de Memories of Murder (2003). Ambas películas son muy recomendables y se basan en casos reales pero son técnica y formalmente muy distintas.

Obviamente la peli coreana ha contado con menos medios pero la dirección es igual de interesante. El film presta especial atención a los objetos (la funda de las botas, las zapatillas), los lugares comunes (las vías del tren), los secundarios (geniales todos ellos) y logra mantener la atención de espectador mientras la trama se va complicando. Los personajes están muy bien definidos (si bien los actores tienden a sobreactuar en ciertos momentos) tanto o más que en cualquier film policíaco hollywoodiense.

Su director Bong Joon-ho dejó claro con este film que puede hacer películas de género tan bien (o mejor) que Hollywood. Toma prestados los estereotipos propios del thriller policíaco (los policías con caracteres opuestos, las broncas del jefe, los medios de comunicación) y los devuelve mejorados. Joon-ho realiza un espléndido trabajo de dirección de actores y puesta en escena, amén de saber combinar varios géneros aparentemente antagónicos (comedia y thriller).

Luego Bong Joon-ho realizó en 2006 The Host (괴물, Gwoemul) con la que demostró otra vez que es capaz de mirar de tú a tú a Hollywood.

Memories of Murder es un laberíntico thriller circular que devuelve al espectador una y otra vez al punto de partida.

Recomendable.

7

Los hombres que no amaban a la mujeres (Män som hatar kvinnor)

Un periodista condenado por difamación recibe el encargo de resolver una desaparición ocurrida hace 40 años.

La adaptación de la novela homónima de Stieg Larsson, primera parte de la trilogía Mileninum, nos llega incluso antes de que se publique en castellano la tercera entrega que su autor acabó justo antes de morir. Parece ser que hay prisa por aprovechar el filón y que el cine sueco parece estar de moda tras Déjame entrar.

El sueco Niels Arden Oplev adapta el libro de forma bastante fiel aunque impersonal. Ciertas motivaciones, personajes y aspectos del libro se han omitido para hacer la cosa más llevadera, no olvidemos que son medios de expresión distintos. Configurando todo ello un correcto film que engancha al espectador durante CASI todo su metraje.

La película se sustenta, igual que el libro, en sus protagonistas: el periodista caído en desgracia Mikael Blomkvist y la fascinante hacker de aspecto punk Lisbeth Salander. Ambos personajes viven en la misma ciudad pero en mundos totalmente opuestos que un misterio acabará uniendo.

Aparte del caso de la desaparición, bastante bien llevado, a mí me gustó más el mundo interior de Lisbeth: su pasado, sus problemas y su comportamiento me parecieron lo mejor del film. Su personaje tiene escenas muy sórdidas y duras que creo que están bien resueltas (sin excederse ni evitando el tema). Todo el submundo de perversiones y abusos que subyace debajo de la aparente normalidad social sueca creo que está bien plasmado.

El trabajo de Noomi Rapace (hija de un bailaor flamenco de Badajoz) es genial, su mirada y sus gestos atrapan al espectador bastante más que la trama detectivesca (que tampoco está mal pero no es nada del otro mundo). Lo que ha cautivado a millones de lectores es el personaje de Lisbeth y su mundo, por ello la elección de Noomi no podía haber sido mejor.

Un amigo me comentó al salir del cine que la peli le había parecido un telefilme, no le falta algo de razón. El problema del film es que sus bazas ya estaban en el libro, cinematográficamente hablando es un film correcto, poco más (que no es moco de pavo si consideramos los bodrios que hay en cartelera: Hannas Montanas, Crepúsculos y Jonas Brothers por citar algunos).

Vamos, que la peli se ve con agrado gracias a que los personajes están reflejados fielmente (que tiene su mérito) pero la dirección es algo plana, le falta brío narrativo (lo mismo que en Ángeles y demonios).

El remate viene cuando el film sobrepasa las 2 horas, tiene un epílogo demasiado largo que ya no interesa tanto al espectador. El bajón es inevitable.

Al menos nos sirve para pasar un buen rato y para descubrir a la genial Noomi Rapace.

6

Ya verás que pronto hacen los yanquis un edulcorado remake con Tom Hanks y Ellen Page (Juno).

p.d.: parece que al final el remake lo va a dirigir el amigo David Fincher y que la pareja protagonista va a tener las caras de Daniel Graig y Rooney Mara. Lo de Fincher me parece prometedor y creo que Graig puede ser un Blomkvist convincente, pero lo de Mara me da bastante de miedo.

The Gossip: Heavy Cross

Temazo dedicado a mi amigo Paraka e ideal para amenizar el fin de semana. Beth Ditto y sus Gossip: Heavy Cross.

El topo (1970)

Alejandro Jodorowsky nació en Chile en el año 1929. Desde muy joven se embarcó en el mundo del arte en un teatro de marionetas. En 1953 se trasladó a Francia donde trabajó elaborando números de mimo para Marceu (por los que nunca cobró un céntimo ya en lo números de mimo no había letra ni música sujetos a posibles derechos de autor de ningún tipo).  Tras algunos contactos con antiguos surrealistas como André Breton, decide formar su propio movimiento artístico. Así en 1962 formó el movimiento Pánico junto con Roland Topor y Fernando Arrabal (tristemente más conocido por el milenarismo va a llegar). Inspirados por el semi-dios Pan, el movimiento Pánico tenía por objetivo sorprender al espectador y hacerle pensar partiendo de esa inicial sorpresa. Jodowsky volvería a Sudamérica en 1965 con sus experimentales y vanguardistas espectáculos teatrales. Allí empezó a interesarse por el cine y adaptó la obra de su amigo Arrabal, Fando y Lis. El Topo fue su segunda y controvertida incursión cinematográfica. 

 Jodorowsky entiende el arte como herramienta para sanar (suena raro y lo es). Jodorowsky es (o dice ser) muchas cosas: poeta, escritor, guionista de cómics, filósofo, experto en Tarot de Marsella, director de cine, etc pero su fin último parece ser sanar el alma del ser humano a través del arte. Muy probablemente, Jodorowsky no sea más que un charlatán que ha conseguido vivir del cuento durante toda su vida, pero El Topo es una película de culto en toda regla, la primera de todas ellas por mérito propio. Odiada e incomprendida por la mayoría y fascinante para unos pocos.

 Jodorowsky dirigió El Topo en 1970, John Lennon la vio y se dedicó a predicar a los 4 vientos que era la mejor película que jamás había visto. Es lógico que le gustara a Lennon, es un film lleno de alegorías al cristianismo y a la filosofía oriental, repleto de metáforas y muy muy impactante. Todo muy acorde con el Lennon de los años 70. Pero tras la publicidad que el ex Beatle atrajo hasta la película, creo que hay mucho más: una profunda y amarga reflexión sobre la condición humana. Una cosa está clara, el visionado de El topo no deja indiferente a nadie. Atreveros si pensáis que ya nada puede impactaros.

El film se inicia con la narración de una pequeña parábola de la vida del hombre, viene a decir que el hombre es como el topo, siempre bajo el suelo buscando salir a la luz (felicidad), pero cuando finalmente lo logra… se queda ciego.

El film no deja de ser una gran metáfora sobre el hombre, las religiones y el sentido de la vida. El protagonista es un pistolero (Jodorowsky) que vaga sin destino por el desierto, allí descubrirá que su fe no era tan fuerte como él creía. Por el amor de una mujer abandonará a su hijo y se enfrentará a cuatro pistoleros en cuatro pruebas. Luego será robado por la mujer y dado por muerto. Posteriormente el pistolero será recogido por unos seres marginados de la sociedad y meditará en una cueva durante años, para salir renacido...

Jodorowsky no es un gran director, ni demuestra una gran habilidad técnica, tampoco tuvo un presupuesto decente pero sus ganas de escandalizar y provocar son innegables. Y realmente consigue remover la conciencia y las entrañas del espectador: no tiene reparos en mostrar escenas desagradables o repulsivas ni en lanzarnos incómodas verdades a la cara. Por la peli veremos actuando a actores mutilados y enanos, también hay escenas muy violentas y bizarras. Todo el surrealismo de Luis Buñuel o David Lynch se quedan cortos en comparación con el desierto de esta película y los extraños personajes que lo habitan.
De hecho creo que es la película más incomoda de ver y a la vez más extrañamente fascinante con la que me he topado en mi vida (luego vi otras del autor como La montaña sagrada o Santa sangre y me dejaron igualmente roto por dentro). A mí me provocó muchas preguntas, ¿La fe es importante aunque en lo que tengas fe sea falso? ¿Existe realmente un sentido de la vida? ¿Vale la pena buscarlo? ¿Qué hacer si lo encuentras? ¿Es el personaje de el pistolero una metáfora de Cristo y los cuatro pistoleros son los cuatro evangelistas?

Supongo que la mayoría de los espectadores dejarán de verla a los pocos minutos, pero si haces un esfuerzo (yo tuve que hacerlo) puede que descubras un film totalmente distinto a todo lo que conoces. Un film que no intenta sólo contarte una historia, intenta cambiar tu forma de ver el mundo. Que lo logre y además te guste ya son harina de otro costal.

La leyenda sobre los films de Jodorowsky es inmensa:

- El abuso de drogas fue bastante común mientras se rodaban El topo y otras películas del autor. Jodorowsky dice no recordar haber rodado ciertas escenas, hay actores que nadie sabe de donde salieron ni qué fue de ellos. A veces se encerraban en el set de rodaje colocados hasta las cejas y sin parar de rodar. El visionado de lo rodado era sorprendente, como poco. Cosas que podían tener sentido bajo el efecto del peyote o el LSD cobraban un significado totalmente distinto al verlas un espectador no colocado.

- Los exhibidores no supieron que hacer con la película El Topo (era demasiado diferente) y la pasaron a medianoche, dando inicio a los pases de medianoche de films poco comerciales o de culto.

- John Lennon y Yoko Ono se quedaron tan fascinados con el film que convencieron a su amigo millonario Allen Klein para que comprara los derechos de distribución de El Topo y le diera 1 millón de dólares a Jodorowsky para que rodara lo que quisiera.

- Jodorowsky rodó con el dinero de Klein La montaña sagrada (otro film alucinógeno) pero se negó a rodar el film erótico Historia de O. En represalia, Klein secuestró las copias del El topo. Durante años Jodorowsky ha estado regalando copias pirata de su propia película. Hace pocos años han llegado a un acuerdo y ya está remasterizada y editada en dvd.

- La montaña sagrada iba a estar protagonizada por otro Ex Beatle: George Harrison, pero el guión incluía un primer plano de su ano defecando, Harrison se negó en redondo a rodar tal cosa y fue sustituido por otro actor. Jodorowsky era consciente de la publicidad que Harrison iba a proporcionar a su film, pero se negó a cambiar ese plano. El arte es así.

-¿Fans de El topo? Peter Gabriel, David Lynch, Bob Dylan, Dennis Hopper, Marilyn Manson, etc

- Jodorowsky ha intentado varias veces llevar a cabo la secuela "El hijo del Topo" pero no encuentra financiación (algo parecido le pasó con su fallido proyecto sobre Dune). Se rumoreaba que Marilyn Manson y David Lynch podrían financiarla, pero el proyecto parece cancelado definitivamente...

Pink Floyd: Interstellar Overdrive

Un temazo psicodélico pertenciente al primer disco de Pink Floyd "The piper at the gates of dawn" de 1967. Por aquel entonces el líder del grupo era el genial Syd Barrett (1946-2006) y en sus canciones se pueden vislumbrar su caos mental y sus ganas de experimentar.

Lamentablemente, los problemas mentales de Barrett (aumentados por el abuso de ciertas sustancias) hicieron que no pudiera seguir en el grupo, se quedaba petrificado en escena, incapaz de cantar o tocar. Fue sustituido por David Gilmour (aunque durante un tiempo ambos coincidieron en el grupo) y el control lo tomó el bajista Roger Waters (quien también abandonaría la nave en 1985, pero eso es otra historia).

Barrett grabó dos extraños LPs fuera de Pink Floyd pero luego se recluyó en casa de sus padres sin apenas salir hasta su muerte en el año 2006.

Se cuenta que durante la grabación del disco Wish you were here los miembros del grupo vieron por el estudio a un tipo calvo y orondo, nadie lo reconoció entonces pero era Barrtett.

El final del cine Mola

Paso a menudo cerca de lo que antes fue el cine Mola de Zaragoza y ahora es sólo un despojo olvidado. La gente pasa junto a su entrada (tapada y convertida en valla publicitaria, aparcamiento de motos y contenedor de residuos) mientras nadie parece acordarse de que allí hubo una vez un cine.

El cine Mola se abrió en 1967 y tuvo su época de esplendor en los años 70 y 80, yo vi algunas películas allí de niño. Pero la cosa fue decayendo de forma imparable. La desidia y la falta de interés de los dueños y las instituciones hicieron que el local se convirtiera en una auténtica ruina.

El último film que vi en la sala fue Tigre y dragón: sus viejas 918 butacas eran terriblemente incómodas, la moqueta estaba llena de manchas, había un olor a rancio que echaba para atrás, los uniformes de los trabajadores estaban pasados de moda, etc… Me dejo lo mejor para el final, había unos posters enormes de dos glorias de los años 70: Nadiuska (una de las olvidadas reinas del destape de los 70) y Terence Hill (eterno compañero de Bud Spencer). Dos posters totalmente anacrónicos que evidenciaban el tremendo abandono en el que había vivido la sala en los últimos años.

Lo peor de todo es que el cierre se hizo de forma tan chapucera que ni siquiera se molestó nadie en quitar los carteles del último film que se proyectó en la sala: Blade Trinity. Un horror de película cuyos carteles siguen todavía allí (4 años después) rodeados por las letras rojas y amarillas (no podían ser de otro color) que forman el nombre del cine.

Se dice que el Mola no tenía salida de emergencia, que la comunidad de vecinos no dejaba hacer las obras necesarias y que el ayuntamiento no daba permisos para convertirlo en multicine, etc. Siempre pensé que Lauren films quería hacer negocio con el local (ubicado en pleno centro de la ciudad), ya sabes: hundo un negocio, levanto apartamentos y me forro. Pero ha pasado el tiempo, el boom inmobiliario se ha desinflando y no pasa nada.

Tanta Expo, tanta capital cultural, tanto Zaragoza se menea, tanto festival o tanto concierto de Madonna y nadie hizo nada por salvar un cine. Casi es mejor así, cuando las instituciones (Ayuntamiento, DGA, la SGAE) se metieron por medio para salvar al Cine Fleta se originó un agujero negro de burocracia e incompetencia del que aún no vemos la salida (si la hay) pero que ya se ha tragado 8 años y 15 millones de euros.

El cine ya no es un negocio como antes, durante un tiempo las multisalas fueron casi las únicas que sobrevivían (o malvivían) del cine. Ahora ya ni eso, tras el cierre del Mola vinieron los de los multicines Buñuel, Aragón o Goya. Pequeños trozos de nuestra infancia murieron con ellos.

Hoy en día sólo los multicines integrados en grandes centros comerciales parecen tener futuro. Pero no han sido sólo internet o la piratería los culpables, lo que realmente mató al Mola fue la desidia y la falta de ideas.

Ya nadie se acuerda de Nadiuska, ni del Mola.

Siete Almas (Seven pounds)

Ben Thomas está buscando a 7 personas a las que ayudar.

El italiano Gabriele Muccino vuelve a dirigir a Will Smith en otro drama/pastel sobre personajes tras En busca de la felicidad. Ahora nos presenta un elaborado drama (al menos en apariencia) que reflexiona sobre la redención, el perdón y el sacrificio. Temas todos ellos muy interesantes.

El único problema de esta película, al menos para mí, es que a los 30 minutos ya sabes de qué va la cosa. Intentan confundir al espectador con tanto montaje desordenado, información a cuenta gotas y saltos en el tiempo. Pero fácilmente te das cuenta de lo que les ha pasado a los personajes y, lo que es mucho peor, de lo que les va a pasar.

Tranquilos, no pienso desvelar nada. Pero viene a resultar como si en El Sexto sentido descubrieras en el minuto 12 que el personaje de Bruce Willis está muerto, el resto del film no tendría sentido y sería incluso aburrido. Espero no haber desvelado nada del Sexto sentido, si alguién no la ha visto…. siento habérsela destripado. Pero eso mismo ocurre con 7 Almas: se descubre el pastel muy pronto y uno pierde el interés.

La trama es bastante simple pero al presentar los hechos de forma fraccionada y desordenada provocan una desorientación en el espectador de la cual sólo se sale al final por medio de una sorpresa. Sorpresa que no es tal pues, como ya he comentado antes, la cosa se ve venir desde lejos. Este tipo de historia funcionó mejor en 21 Gramos o Babel.

Aún así el film se deja ver aunque puede llegar a aburrir a ratos debido a lo evidente de todo lo que va a ocurrir. Está bien rodado e interpretado pero no deja de ser un pastelón de cuidado. Me agradan mucho los esfuerzos de Will Smith de hacer cine serio y convertirse en actor. Alterna sabiamente papeles muy comerciales con películas más arriesgadas. Yo lo prefiero en films como Ali o En busca de la felicidad antes que en videojuegos como 2 polis rebeldes, Independence Day o tonterías como Soy leyenda.

Sinceramente opino creo que la peli gana bastantes enteros con la interpretación de Rosario Dawson. Compone un personaje muy completo (enfermedad, lágrimas, emociones) y tiene bastante química con Will Smith.

También aparecen Woody Harrelson (con peluquín) y Barry Pepper (La última noche), pasables.

La verdad, Smith y Dawson levantan la película. Esta película interpretada por Sandra Bullock y Ben Affleck sería totalmente infumable.

5

FUNNY GAMES (1997)

Hace unos años me recomendaron una película que, me dijeron, era realmente perturbadora debido a su extrema violencia y tensión. Ni corto ni perezoso me dispuse a visionar tan revolucionaria obra de arte (o así me la pintaron). Dicha película era Funny Games del austríaco Michael Haneke.

Partamos de que la historia de una familia que cae en manos de unos pirados no era novedosa en 1997. Ya hubo otras muchas películas que trataron este tema sobretodo en los 70 y 80 (La última casa a la izquierda o incluso La matanza de Texas son claros referentes).

La novedad es que Haneke lo hizo de forma casi documental, no es una peli de terror como las citadas anteriormente, es un fiel retrato de una pesadilla. Una pesadilla mucho más perturbadora que cualquier otra película de terror debido a que el tono documental y los planos agónicamente largos no dejan salida al espectador. Los personajes no caen como moscas en escenas con música tétrica, son humillados interminablemente en silencio.

El insano gusto de Haneke por lo morboso y sus ganas de provocar repulsión en el espectador son realmente notables. Sus psicópatas son de lo más repugnante que he visto en una pantalla en toda mi vida, no porque sean malvados sino porque son repulsivos en sus modales y su control de la situación. Todos sabemos que el personaje de Hannibal Lecter es un psicópata, pero de alguna manera se nos hace un personaje atractivo o incluso simpático. Pero los psicópatas de Funny games son simplemente exasperantes. (Sólo con verle la cara al imbécil de la portada ya me entran ganas de fostiarlo!!! nunca me ha pasado con Hannibal).

Igual que los malvados juegan con sus víctimas, Haneke juega con el espectador y te somete al juego de adivinar si vas a aguantar toda la película. El director se identifica con los villanos de la función y nos tortura a nosotros. Interesante punto de vista, sin duda, pero fallido.

El problema es que Haneke no sabe lo que es el ritmo narrativo, rueda de forma que la tensión se diluye en el más ridículo de los aburrimientos. El tema y los villanos pueden ser interesantes y su juego de torturar al espectador es original, pero este tipo sólo sabe aburrir. Cuando Haneke se saca un conejo del sombrero (no puedo especificar más) y hace que la cosa se anime y sorprenda, ya es demasiado tarde: el tedio y la indiferencia se han apoderado del espectador hace rato. Me gustó el giro que toma la peli hacia el final, pero me pilló totalmente aburrido.

Supongo que todo es premeditado y que Haneke pretendía no sólo torturar al espectador, sino también aburrirlo y asquearlo. Conmigo lo logró.

Así pues, de obra maestra…. nada de nada. Así se lo hice saber a quien me la recomendó.

4

Ahora, en un alarde de imaginación, Hollywood se deja tomar el pelo por Haneke para que haga un remake de su propia película con Naomi Watts (la reina de los remakes?: King Kong, The Ring, Los pájaros), Tim Roth y Michael Pitt.

Ni se han preocupado en cambiar un mísero plano, parece ser que la película americana es casi idéntica a la original plano a plano. Parece ser, porque yo no pienso verla.

Creo que es tan estúpida e innecesaria como aquel remake de Psicosis de Gus Van Sant.